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Tous les articles par Fabien Vallos
Article 122 – Colloque Manger les images : Fabien Vallos
Introduction à la journée d’étude
Article 121 – Colloque Manger les images : Francesco Canova
Odysseus non consommant : entre la fête et le devenir, l’hospitalité et l’hostilité.
L’Odyssée est ici lue comme une grande épreuve de la consommation, où le retour n’est possible qu’au prix d’une transformation continue. Le rapport à la nourriture y est omniprésent, décisif, fondateur : le destin des êtres est souvent régulé par leur rapport à l’aliment, au sacrifice et à l’hospitalité. C’est un poème dominé par des questions sur les régimes de consommation, sur la manière dont consommer peut modifier nos êtres et déterminer nos conditions de vivabilité. Le voyage d’Ulysse est une suite d’épreuves où il est confronté à la tentation de consommer sans mesure, et de s’y perdre, ou de maintenir la ligne du mouvement qui conduit au nostos. Lotophages, Circé, Sirènes : autant de dispositifs de narcose, d’oubli, de fascination, où l’on risque d’être figé. L’Odyssée devient alors une cartographie de lignes qui se tracent dans le présent, entre mémoire et avenir. Ulysse, polytropos, existe dans l’altérité et par l’altérité, en s’exposant à la métamorphose sans s’y dissoudre. Le devenir se fonde sur cette disponibilité à la transformation, sur l’élasticité d’un corps et d’un récit. Devenir, enfin, c’est donner forme à ce qui n’en a pas, produire du monde. Devenir, au fond, c’est être plastique, car la plasticité consiste à savoir progressivement donner forme à son destin.
Article 120 – Colloque Manger les images : Aure Baucher
AURE BAUCHER
Cette intervention propose une analyse des représentations du lait en tant qu’objet culturel et symbolique au travers de l’histoire. En s’appuyant sur un corpus mêlant mythologie, iconographie religieuse, histoire de l’art, cinéma et culture visuelle contemporaine, il examine la manière dont un aliment ordinaire acquiert des significations variables selon les contextes sociaux, religieux et politiques. En observant les continuités, les ruptures et les réappropriations contemporaines, il montre comment une substance associée à l’innocence et à la vie peut aussi devenir un symbole de trouble ou de violence. Il met en évidence la manière dont le lait, dans ses représentations, fonctionne comme un opérateur de transmission biologique, spirituelle, morale ou politique et comme un révélateur des rapports au corps, à la maternité, à l’animalité et au pouvoir.
Article 119 – Colloque Manger les images : Yan Leandri
YAN LEANDRI
En octobre 1962 le pape Jean 23 ouvre le Deuxième Concile Œcuménique du Vatican. Les théologiens de la libération rappellent que dans les Évangiles, la Croix de Jésus donne leur plein sens aux Écritures, de sorte que « les temps sont accomplis » (Marc 1:15). Il n’y a donc ni nouveau messie ni héros à attendre pour accomplir l’action de Dieu dans l’histoire : le temps ouvert par la Croix de Jésus est le temps des figurants. En 1963, Pier Paolo Pasolini sort La Ricotta, une fiction de 35 minutes qui compose un film à sketchs avec la participation de Rossellini, Godard et Gregoretti, faisant « quatre récits de quatre auteurs qui se limitent à raconter les joyeux principes de la fin du monde ». Arrêtons-nous, le temps d’une lecture, sur l’expérience du manque comme processus anachronique permettant le devenir : en deux mots, sur le lien entre Désir et Résistance. Parlant de la consommation, nous ferons un écart vers la mythologie du brocciu en Corse, particulièrement éloquent de le cas de notre spéculation, à travers l’étude de Max Caisson, pour arriver à une étude de la possibilité révolutionnaire chez Pasolini qui nous sort de l’impasse cyclique de la représentation.
Article 118 – Colloque Manger les images : Antonin de Langlinay
ANTONIN DE LANGLINAY
Manger et tuer : consommation et sacrifice dans Munich de Steven Spielberg
En 2005, Steven Spielberg réalise deux longs métrages, La Guerre des mondes et Munich, qui répondent chacun à leur manière au traumatisme collectif provoqué par les attentats du 11 septembre 2001 aux États-Unis. Le second film prend pour sujet la mission secrète confiée par le gouvernement israélien à un commando chargé d’éliminer les responsables de l’attentat perpétré pendant les Jeux olympiques de 1972, au cours duquel onze athlètes israéliens furent assassinés par le groupe palestinien Septembre noir.
Si Munich met en scène un acte de vengeance, son véritable enjeu est ailleurs : il interroge les conséquences de cette vengeance sur les corps et les psychés, tant des victimes que des bourreaux. Que reste-t-il du monde, une fois la vengeance accomplie ? C’est à travers le prisme des thématiques de la nourriture et de la consommation que nous proposons d’examiner cette question.
Article 117 – Colloque Manger les images : Guillaume Fustec
Chez Rainer Maria Rilke, la bouche occupe une place centrale, plus précisément, et ce sera l’objet de notre lecture et de notre réflexion ; la bouche loin d’être un simple organe de consommation ou de destruction, devient, chez Rilke, un véritable lieu de transfiguration. : elle est le lieu où le monde visible cesse d’être un simple donné pour devenir expérience intérieure. Ce qui est ingéré, aliment,
élément, fruit ou monde, ne disparaît pas, mais se transforme : le visible se dissout pour renaître sous la forme d’un mot. La représentation se déplace alors du dehors vers le dedans ; et n’est plus une opération de désignation, mais un processus d’incorporation.
À partir de cette figure, se pose une question décisive : et si la représentation ne relevait pas d’abord d’un régime sémiotique, mais d’un événement existentiel, engageant le corps, le risque et la transformation ? Chez Rilke, représenter ne consiste pas à produire un signe fidèle, mais à faire l’épreuve du réel jusqu’à l’ingérer, à accepter une vulnérabilité où la vérité ne se démontre pas, mais se goûte, se digère, s’éprouve.
La représentation devient alors moins un miroir du monde qu’un outil de passage : une mise en acte de confiance dans la réalité, capable de transformer celui qui la traverse. Elle ne se limite pas à exprimer un contenu, mais engage un mode d’être : dire, ici, revient à agir, à se laisser affecter, et à reconnaître que nos représentations, loin de nous protéger du réel, participent à sa transformation vécue.
Article 116 – Colloque Manger les images : Lucas Vernet
LUCAS VERNET
À partir de Nature morte : le quartier de viande de Claude Monet, cet analyse interroge l’acte de consommer comme forme d’engloutissement du monde. Il avance que la conscience humaine de l’assimilation — exister, c’est détruire de l’existant — est au cœur des crises existentielles de l’anthropocène. La surconsommation, notamment de viande, transforme le réel en ressource et réduit l’espace du « faire monde ».
Article 115 – Colloque Manger les images – Léa Devenelle
LÉA DEVENELLE
Cette présentation part d’une image et d’une blague douteuse pour interroger l’usage récurrent des métaphores alimentaires et animales afin de parler de sexualité. À travers la nature morte, les scènes de marché et de chasse, on voit comment l’érotisme se glisse partout là où il ne peut pas être montré frontalement. Volailles, lapins, poissons, crustasés, fruits, deviennent des substituts du sexe, du désir, de la dévoration et parfois de la violence.
Article 114 – Le Waqf de Palestine, Gaëtan Soerensen
” Présent dans tout le monde arabe, le waqf (ou waf) est une tradition juridique islamique plaçant en son centre l’acte de donation à perpétuité. Loin de se cantonner à un simple acte administratif, le waqf déploie une cartographie topographique et sociétale sur les reliefs poreux du Proche-Orient. Sa symbolique et son pouvoir infusent l’imaginaire palestinien et alimentent les formes du parler vernaculaire et quotidien qui gravite autour de cette tradition. “
Article 113 – La figure du veilleur et le spectre de la catastrophe, Francesco Canova
” Lors du Séminaire 2021-2022. Fig. (Figure, Image, Grammaire) LV. Hantise & hantologie, nous avons travaillé autour du concept de hantise et, plus précisément, autour d’une hantise de l’image. Hanter – terme qui provient de l’ancien scandinave heimta et du vieil anglais hāmettan – désigne une manière de fréquenter une maison, de façon régulière, presque récurrente et, dans son acception anglaise, l’action de la fréquentation s’ouvre à la possibilité de la cohabitation et, par conséquent, à un expérience de l’hospitalité.
Mais qui devons-nous héberger ? A quel sujet devons-nous ouvrir les portes de notre maison ? C’est qui cet « étranger », cet « hôte » qui nous demande d’être accueilli et de demeurer chez nous ? Et dans quelle mesure devons-nous accepter le risque de son altérité, de sa tension sous-jacente, voire de son ambiguïté qui pourrait dissimuler un danger et altérer l’ordre même de la maison ?”
Article 112 – Photographie amateur, Fiona Faivre
“Le vernaculaire a été théorisé sur le tard en France, Vernaculaires, Essais d’Histoire de la photographie par Clément Chéroux a été publié en 2013. Or le vernaculaire était déjà présent dans le milieu artistique et les artistes s’intéressent déjà depuis au moins les années 1990 à cette matière prolifique. Notons que deux artistes reconnus pour leur utilisation de la photographie vernaculaire sont déjà bien présents sur la scène artistique: Christian Boltanski, qui a débuté sa carrière dans les années 1960, il s’intéresse au vernaculaire dès 1971 avec Vitrine de Référence, et Hans-Peter Feldmann qui expose dès la fin des années 1960 des éditions de carnets réalisés à partir d’images trouvées comme des cartes postales, des coupures de journaux ou des affiches.”
Article 111 – Vernaculaire, Fiona Faivre
“Vernaculaire. On a tous déjà entendu ce mot, on l’a parfois employé nous-même lors d’un échange, mais sait-on réellement ce qu’il veut dire? Selon le TLFi1, il s’agit d’un adjectif qui qualifie une chose propre à un pays. Si l’on en croit le Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales, vernaculaire est bien un terme qui renvoie à une forme d’appartenance à un pays d’un point de vue didactique, mais il serait plus spécialement utilisé pour qualifier une langue communément parlée dans les limites d’une communauté, ou pour désigner une nomenclature vulgaire (et donc opposée à la nomenclature scientifique).”
Article 110 — L’impuissance du regard, Raphaël Lods
“Le théologique soulève des traditions de regards et de relation à ce qui le dépasse. Au-delà du visible, le messianisme propose une pensée de l’invisible. Si l’image est plus que son papier, son écran, son encre, ses pixels ou ses bromures d’argent, ce plus peut être questionné.
Parce que le reste de l’image est potentialité de puissance, invisible et au-delà du langage et que la théologie installe par le divin le principe même de potentialité de puissance, d’invisible et d’au delà du langage, nous pouvons souligner des similitudes et nous armer de ce qui a été théorisé sur le second pour saisir le premier. Lorsque nous suspendons l’opérativité du visible, nous pouvons aborder l’image dans une ontologie apophatique.
À partir du rapport à Dieu, à la création et au langage que pose Franz Rosenzweig et par l’exégèse qu’en propose Stéphane Mosès, nous proposerons une interprétation du concept de séparation et de sa nécessité dans la production et la consommation d’images.
La traversée du récit d’élection du roi David nous offrira des indices sur la façon dont se construit le regard et ses limites. Nous verrons comment la théorie cabalistique de la création nous permet de penser l’image comme création et de soulever des hypothèses quant à ce qui sort du spectre du regard. Nous saisirons ce qui distingue l’image de la puissance et la puissance de l’image, possibilité et séparation de la possibilité.
Article 109 – L’image comme ambassadrice, Raphaël Lods
« La lecture des textes néo-testamentaires offre une conceptualisation de l’image, fruit d’une réception du récit deutéronomiste. Comment saisir ces images, leurs usages et leurs organisations ? Peut-on — encore — s’ancrer dans l’antique pour observer le contemporain ?
Il s’agira de comprendre cette réception ou, formulé autrement, de comprendre ce que l’apôtre Paul et ses confrères comprenaient sous les termes «d’images».
L’enjeu de cet article sera de proposer une lecture du messianisme dans son héritage de sa compréhension de ce qu’est une image. Il s’agira de, plus que de réfléchir et réactualiser l’image messianique, voir si l’image porte une messianicité – ou tout du moins poser la première pierre de ce processus. »
Article 108 – Les images-liquides, Brice Templereau
“Qu’advient-il des images ? Lorsque nous posons cette question nous sous-entendons : qu’advient-il des images dans le cadre paradigmatique d’une tension fondamentale entre la narration et la composition du récit ? Car les images sont le lieu de cette tension en tant qu’elles sont intrinsèquement narratives et objet du processus extrinsèque de striage.”
Brice Templereau est étudiant aux Beaux-Arts d’Angers
Article 107 – Conférence Marc Buchy – 5 avril 2022
Très tôt dans sa pratique, Marc Buchy s’est engagé à ne jamais apprendre ni la danse ni l’astronomie, revendiquant ce choix comme un geste artistique cherchant à affirmer la valeur de l’amateurisme. La question de la connaissance, de son partage, de son appropriation, de sa circulation, est depuis lors centrale dans sa pratique. Dans ses œuvres, souvent conceptuelles, parfois immatérielles, il développe des processus et des protocoles, impliquant parfois la participation du public, toujours conscient de ses contextes de créations et de présentations.
Après un master en art plastique à la Luca School of Arts de Bruxelles (2012), Marc Buchy a complété son cursus par le post-diplôme de l’IHEAP à New York (2015). Membre fondateur de l’artist-run space Greylight Projects à Bruxelles de 2012 à 2020, il a participé à des expositions collectives en Belgique (Société, Centrale for Contemporary Art, Iselp) et à l’international; Friche Belle de Mai (Marseille), In Extenso (Clermont-Ferrand), CAN (Neuchâtel), Material (Zürich), The Others Art Fair (Turin), Galeriji SC (Zagreb), Antena (Chicago). Son travail a également été l’objet de présentations et d’expositions monographiques (BPS22 (Charleroi), Nei Liicht (Luxembourg), entre autres).
Conférence de Marc Buchy à l’ENSP, Arles le 5 avril 2022
Article 106 – Colloque Images & Hantises : Margaux Bonopera
MARGAUX BONOPERA
L’hantologie comme processus curatorial
En 1993 est publié, pour la première fois aux éditions Galilée, Les Spectres de Marx
du philosophe français Jacques Derrida. C’est à l’occasion de cette publication, émanant d’une conférence, que l’auteur introduit et développe le concept d’«hantologie » et plus précisément de « spectralité». Si son étude porte avant tout sur l’héritage du communisme dans la pensée philosophique de l’histoire, c’est surtout sa capacité à placer le passé comme trace active dans un temps présent nous intéresse ici.
Dans le cadre du colloque Images et hantises, sous forme de narration/conférence, il sera question de l’hantologie comme processus curatorial. L’étude de ce processus souhaite analyser de quelle manière les artistes réalisent des expositions à partir et avec le lieu pour lequel ils sont invités. Comme un contre point à la pensée de l’in-situ, l’exposition hantologique n’accueille pas l’œuvre, elle fait l’œuvre. Est hantologique ce qui suscite une trace ambigüe, spectrale, étrange. Ces expositions entretiennent ainsi un rapport volontairement contrarié à l’histoire du lieu, qui souvent devient le point de départ de l’exposition, acceptant ainsi la persistance de faits, anecdotes ou histoires passées. Favorisant des médiums tels que le son ou procédant à des déplacements ontologiques, ces expositions investissent souvent des espaces aux fonctions déjà définies ou bien évacuent toute forme de référentiel pour livrer un espace empirique auto-référencé. Si l’étude de Derrida partait d’une analyse de territoires (bloc est/ouest) pour arriver à une pensée du temps et de l’histoire, le processus hantologique appliqué à l’exposition, part de l’analyse d’une histoire choisie par l’artiste, et souvent liée au lieu, pour proposer une nouvelle œuvre que devient l’espace d’exposition.
Margaux Bonopera (Fontainebleau,1992) est curatrice indépendante et assistante curatrice à la Fondation Vincent van Gogh Arles. Après une licence d’histoire de l’art à l’Ecole du Louvre (Paris), elle est diplômée du Royal College of Art (Londres) et travaille pour diverses institutions culturelles (Fondation Cartier, Fondation Carmignac, etc.). Dès 2016, elle s’intéresse à la notion de magie dans l’art contemporain, et plus spécifiquement à l’hantologie comme processus curatorial après une résidence au centre d’art SaSa Bassac à Phnom Penh au Cambodge la même année. Margaux Bonopera développe aussi une pratique d’écriture fictionnelle (Tour à Tour, PAC 2021, Les Carnavalesques, HorsPiste, Pompidou 2020, Relevés, Arles 2019…) conjointement à un travail critique (Documents d’artistes Aquitaine, MOCO Montpellier, Ateliers de la ville de Marseille, Duuu Radio Paris). Elle s’occupe depuis 2018 de la résidence l’Opéra avec Grégoire d’Ablon au sein de leur maison à Arles et est lauréate avec Elsa Vettier de la bourse 2021-2022 dédiée aux commissaires d’exposition des Mécènes du Sud Occitanie.
Conférence de Margaux Bonopera dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 105 – Colloque Images & Hantises : Fabien Vallos
FABIEN VALLOS
Rendre visible sans hantise
Dans le cadre du séminaire Fig. il est question de réfléchir à la hantise, à partir de deux éléments centraux : premièrement les spectres et la hantise proviennent tout autant du futur que du passé, et secondement ces spectres ne sont pas extérieurs à l’être, mais ils sont contenus en nous. Nous tenterons de montrer que la surmesure et la surabondance des images et des données sont à l’origine de cette violence spectrale. Il y a dans le processus de la «donation» (faire passer le monde à de la donnée) une expérience à la fois bouleversante et spectrale. C’est cela que nous nommons «hantise». Dès lors c’est la re-présentation qui est à l’origine de cette crise : il faut alors repenser ce que signifie rendre visible, sans hantise. Ce qui pourrait être le sens moderne de ce que nous nommons «poiètique».
Fabien Vallos est théoricien artiste et professeur. Il enseigne à l’École nationale supérieure de la photographie et à l’Esba Talm (Angers). Il coordonne le CRAI (https://enspcrai.hypotheses.org/) et il dirige le laboratoire Fig. (http://laboratoirefig.fr/). Son travail théorique consiste en l’élaboration d’une généalogie du concept d’inopérativité ainsi qu’à la préparation d’une philosophie critique de l’œuvre. Derniers ouvrages publiés, Chrématistique & poièsis, éd. Mix., 2016 et Essai sur l’image
latente, éd. Mix. 2021.
Conférence de Fabien Vallos dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 104 – Colloque Images & Hantises : Raphaël Lods
RAPHAËL LODS
L’image messianique, une écharde dans la chair.
Les écrivains néo-testamentaire présentent une image messianique. Nous verrons comment la grammaire hébraïque propose une autre lecture du temps, offre une puissance à ces images et devient figure d’une hantise.
Raphaël Lods est étudiant en 3ème année à l’ENSP, Arles.
Conférence de Raphaël Lods dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 103 – Colloque Images & Hantises : Théo Malirat
THÉO MALIRAT
Hantologie et sismographie
Si l’hantologie se comprend comme l’attention portée à l’apparition des spectres, il est possible de concevoir leur modalité d’étude comme une sismographie, comme une vigilance portée à des signes inéluctables mais pas encore clarifiés ni déterminés.
Théo Malirat est étudiant en 3ème année à l’ENSP, Arles.
Conférence de Théo Malirat dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 102 – Colloque Images & Hantises : Francesco Canova
FRANCESCO CANOVA
La figure du veilleur et le spectre de la catastrophe : réflexion sur l’état de veille comme modalité de l’existence entre résistance et prophétie.
Francesco Canova est étudiant en 3ème année à l’ENSP, Arles.
Conférence de Francesco Canova dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 101 – Colloque Images & Hantises : Marc Berdet
MARC BERDET
De quelques images traumatiques qui hantent le présent. L’exemple chilien.
Cette conférence vise à élaborer une théorie matérialiste de la mémoire et de la hantise qui, inspirée par Walter Benjamin, puisse servir de boussole critique au moment d’interpréter des images et des installations relatives à la mémoire collective et à un passé qui nous hante. Il s’agira d’orienter notre regard sur des dispositifs de mémoire dans le monde, et en particulier en Amérique latine, en prenant en compte différents types d’expression artistique génératrice d’images autour de l’histoire, de la mémoire et de la politique. Comme alternative au concept habituel de « lieu de mémoire », je proposerai celui d’« espace de réminiscence », qui permet de traiter le passé non pas comme quelque chose de simple et de fixe mais, au contraire, comme quelque chose de mobile et de complexe, qui vient nous interpeler au présent. Je prendrai pour exemples quelques installations mémorielles au Chili (Villa Grimaldi, Musée de la mémoire, Londres 38) et la trilogie de la mémoire close par le cinéaste Patricio Guzman avec La cordillère des songes (2019).
Marc Berdet est philosophe, et actuellement professeur visitant à l’Université de Brasília, où il travaille à une philosophie de la mémoire politique à partir des espaces latino-américains et de l’hypothèse d’une modernité baroque perdue.
Conférence de Marc Berdet dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
Article 100 – Colloque Images & Hantises : Mauro Carbone
MAURO CARBONE
Falling men : parfois ils reviennent
Le 16 août 2021, juste après le retour au pouvoir des talibans en Afghanistan, des images diffusées sur les réseaux sociaux ont montré des corps humains tombant d’un avion militaire américain peu de temps après son décollage de l’aéroport de Kaboul : il s’agissait de trois civils qui s’étaient accrochés au train d’atterrissage de l’appareil dans la tentative désespérée de fuir leur pays. Apparemment, des intentions très différentes par rapport à celles des personnes ayant sauté dans le vide du haut du World Trade Center incendié le 11 septembre 2001, dont les photos, mais aussi les œuvres d’art les évoquant, avaient fait l’objet d’une sorte de stratégie de refoulement, surtout aux États-Unis. Et pourtant, face aux images des falling men de Kaboul, partout dans le monde, on n’a pu s’empêcher d’évoquer celle du falling man que vingt ans plus tôt à New York Richard Drew avait fixé dans le cliché « le plus connu que personne n’a jamais vu», comme il l’a déclaré avec une ironie amère. Un cas exemplaire de « retour du refoulé» des images qui, selon Baudrillard, «sont, qu’on le veuille ou non, [la] scène primitive» du XXIe siècle.
Mauro Carbone, spécialiste d’esthétique, membre honoraire de l’Institut Universitaire de France, est professeur de Philosophie à l’Université Jean Moulin Lyon 3 (France), où il a fondé et dirige le Groupe permanent de Recherche «Vivre par(mi) les écrans» (https://vivreparmilesecrans.wixsite.com/vivreparmilesecrans), avec lequel il a co-dirigé les volumes collectifs Vivre par(mi) les écrans (Dijon, Presses du réel, 2016), Voir selon les écrans, penser selon les écrans (Paris, Mimésis, 2016), Des pouvoirs des écrans (Paris, Mimésis, 2018), ainsi que L’avenir des écrans (Paris, Mimésis, 2020).
Ses recherches actuelles sont focalisées sur les rapports entre l’expérience visuelle contemporaine et la philosophie à faire aujourd’hui. À ce sujet, parmi ses livres personnels les plus récents il faut rappeler La chair des images (Paris, Vrin, 2011), Être morts ensemble : l’événement du 11 Septembre 2001 (Genève, MētisPresses, 2013), Philosophie-écrans (Paris, Vrin, 2016) et Merleau-Ponty’s Poetic of the World (New York, Fordham, 2020) avec G. Johnson et E. de Saint Aubert.
Article 99 – Colloque Images & Hantises : Jean-Baptiste Carobolante
JEAN-BAPTISTE CAROBOLANTE
Les enfants de Bragolin. Une hantise picturale.
Cette conférence se concentre sur un type d’images qui étaient en vente dans les
supermarchés du nord de l’Europe durant les années 1960 et 1970. Ces copies de
peinture, essentiellement d’un artiste italien répondant au surnom de Giovanni
Bragolin, représentaient des enfants en larmes. Commentant un récit journalistique
anglais ayant créé une malédiction autour de ces images, nous envisagerons leur
puissance de hantise et questionnerons ce que nous nommons « l’esthétique de
supermarché».
Jean-Baptiste Carobolante est docteur en histoire de l’art, enseignant en école d’art,
critique et chercheur affilié à l’INHA. Après une thèse sur le cinéma de spectre
contemporain, sa recherche actuelle porte sur la peinture commerciale d’un point
de vue historique et critique. Recherche qui va aboutir en 2023 à une exposition au
MIAM à Sète et à une publication.
Conférence de Jean-Baptiste Carobolante dans le cadre du colloque Images et Hantises, le 26 mars 2022
COLLOQUE V Images & Hantises
L’École nationale supérieure de la photographie
Le Centre de recherche art et image (CRAI)
Le Laboratoire Fig.
présentent le colloque
Images & Hantises
Conçu par Fabien Vallos & les étudiants chercheurs du Laboratoire FIG.
Samedi 26 mars 2022
ENSP Arles 13h-18h
Avec Marc Berdet, Margaux Bonopera, Mauro Carbone, Jean-Baptiste Carobolante, Fabien Vallos & avec Francesco Canova, Théo Malirat et Raphaël Lods
Article 98 – Colloque Conditions de l’Image: Aurélie Pétrel & Fabien Vallos
AURÉLIE PÉTREL & FABIEN VALLOS
Dans le cadre d’un projet de recherche (Hes-so et Head Genève[IRAD]) nous avons tenté d’interpréter les problématiques liées à la prise (de l’image) et au prélèvement. Après avoir menée une série d’entretiens auprès d’une centaine de personnes, nous discuterons dans un entretien des points suivants :
1. En quoi la donnée peut-elle être pensée depuis les questions de la sélection de l’information, des modes, du calcul, du langage, du code, de la technique et de la donation ?
2. En quoi la donnée (et donc les conditions de l’image) est à la fois polluante, mutique, désincarnée, scandaleuse, acosmique et critique ?
3. En quoi la prise est à la fois prélèvement, piège, capture, manipulation, appropriation, prédation, collecte ?
4. En quoi sommes-nous en mesure de proposer une théorie générale de l’économie des prélèvements et de leurs représentations et donc d’une « condition de l’image » ?
Audio de l’entretien Aurélie Pétrel & Fabien Vallos dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 97 – Colloque Conditions de l’Image : Camille Richert
CAMILLE RICHERT
D’une époque épique à une époque opaque : les esthétiques du travail dans l’art contemporain, ou la différence d’un degré.
Au tournant des années 1890 (avant-gardes modernistes), puis à celui des années 1960 (modernisme tardif), se produisent dans les représentations artistiques du travail deux à-coups, qu’on peut qualifier de démystifications. Plus précisément, ce ne sont pas un, mais deux mythes qui tombent dans une même chute : les mythologies du travail, et le mythe de ce mythe, qui consisterait en l’idée que la nature est maîtrisable, et que ceci est souhaitable dans la mesure où la nature fournirait l’énergie nécessaire aux rêves et ambitions de progrès social des xixe et xxe siècles. Le travail en fut le moyen. En faisant cas de cette thématique, les représentations contemporaines y portent une estocade.
Considérant que l’art contemporain (entendu comme l’ensemble des productions artistiques advenues à partir de la fin des années 1960 en Occident) est un ensemble hétérogène de réalités spéculatives, ses thématiques tel le travail sont dotées d’un certain réalisme décalé d’un degré. À travers différentes esthétiques basées sur le prosaïsme – celle du silence (Susan Sontag), celle de la bureaucratie (Benjamin Buchloh), ou bien encore celle de l’ennui (Tom McDonough) –, les œuvres contemporaines ayant pour thème le travail prélèvent des situations réelles, antérieures ou actuelles, pour les prolonger, les accentuer, les détourner et les confiner au paroxysme de l’absurde ou de l’expérience parallèle.
Au contraire de la fonction politique des œuvres d’art du deuxième xixe siècle et du premier xxe siècle (pour emprunter la catégorie de Walter Benjamin), ces œuvres contemporaines sur le travail ne servent plus une idéologie à fins de politisation par l’image : elles formalisent sans plus aucun récit unifiant la vie intangible mais non moins éprouvée par les employées et employés des mondes du travail. Depuis les secteurs d’activités industriels jusqu’aux métiers du quaternaire, nous proposons de regarder les esthétiques qui ont présidé à ces excavations visuelles pour donner lieu à des réalités augmentées et dépolitisées des mondes du travail.
Audio de Camille Richert dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 96 – Colloque Conditions de l’Image: Fanny Terno & Thomas Vauthier
FANNY TERNO & THOMAS VAUTHIER
S’il est question d’image synéidètique en tant que conscience des conditions de saisie des images et du monde résultant de cet acte, il nous intéresse d’interroger l’agir synéidètique et les diverses modalités de son influence sur la pratique artistique contemporaine à travers une proposition de recherche-création. Il s’agira dans un premier temps de s’interroger sur la dialectique entre considération et production d’image, pour ensuite explorer les limites de l’opérativité même de l’homme en mobilisant la notion de dépense, menant vers une acédie que l’on nommera mé-prise. On explorera ensuite diverses modalités de production d’image prenant en compte des potentialités attentionnelles exprimant un care, en tant que souci du monde dans lequel le prélèvement et l’acte d’image semblent problématiques, et ce, jusqu’à la possibilité d’une dé-prise, dont les logiques organiques à l’œuvre sont de l’ordre d’un processus vivant entropique. Cela nous permettra de déployer un répertoire d’actes d’images spécifiques : agirs minimalistes dans la dépense, ou bien assumant celle-ci comme moyen et condition vers une modulation espérée des affects. Cette intervention s’attachera ainsi à exprimer le passage d’une prise de vue à une dé-prise de vue.
LIEN VERS LA VIDÉO DE LA PRÉSENTATION
Présentation de Fanny Terno & Thomas Vauthier dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 95 – Colloque Conditions de l’Image: Constance Heilmann
CONSTANCE HEILMANN
Observer et capter l’image synéidètique nécessite d’être en mesure de le faire, et pour cela, d’être dans un espace qui lui permettra d’émerger, l’« aître ». Nous tenterons d’opérer un croisement entre les théories du Dasein et d’être-au-monde chez Heidegger, du sentir pour s’insérer dans le réel chez Merleau-Ponty, de l’expérience esthétique fondée dans l’interaction chez Dewey et du processus d’individuation chez Simondon, pour déterminer les conditions favorables à l’observation de cette image synéidètique.
Audio de Constance Heilmann dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 94 – Colloque Conditions de l’Image: Théo Malirat
THÉO MALIRAT
Le concept de synéidèsis définit un lieu interstitiel décisif pour entendre l’acte de création : en quoi l’art de manière générale est un questionnement constant de la disponibilité ou de l’indisponibilité du prélèvement ?
Audio de Théo Malirat dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 93 – Colloque Conditions de l’Image: Juliette George
JULIETTE GEORGE
L’œuvre de l’artiste italien Cesare Pietroiusti (né en 1955) peut se lire comme « un tentativo di fare attenzione a ciò che viene rimosso ». Ce quelque chose qui nous aurait été retiré par Dieu – ou par le profit – et qu’il s’agit donc de récupérer au risque qu’il nous manque, c’est la responsabilité du vivant. Nous verrons comment cette attention, voire cette réparation s’opère dans son travail à travers une éthique de la consommation (artistique et alimentaire).
Audio de Juliette George dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 92 – Colloque Conditions de l’Image: Francesco Canova
FRANCESCO CANOVA
Giuseppe Ungaretti et la poésie comme secret inépuisable
À travers une analyse de la poésie Il porto sepolto di Giuseppe Ungaretti, poète italien du XXe siècle, je voudrais m’interroger sur le rapport entre le fond inépuisable de l’image synéidètique et la tâche du poète : celle de dévoiler une partie de ce qui doit rester caché.
Audio de Francesco Canova dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 91 – Colloque Conditions de l’Image: Nicolas Giraud
NICOLAS GIRAUD
Landscape as real estate
Le regard porté sur l’extérieur est un symptôme de son état. Les formes produites par les artistes, films ou photographies, constatent en même temps qu’elles réorganisent, une teneur du vivant qui échappe à l’œil nu. La figure du gratte-ciel et sa présence dans le film d’Andy Warhol EMPIRE, nous serviront de point de départ pour envisager l’involution et la commodification du paysage. Avec les travaux de Lynne Cohen, Lewis Baltz ou Michael Heizer, on tentera d’envisager la part prise par les artistes dans un devenir immobilier du monde, au sein de ce que Marvin Heifermann désigne comme « Landscape as real-estate » (le paysage comme bien immobilier).
Audio de Nicolas Giraud dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 90 – Colloque Conditions de l’Image: Alexis Nuselovici (Nouss)
ALEXIS NUSELOVICI (NOUSS)
Pour une poétique de l’exil
Hegel : le langage efface le réel pour le désigner. Il faut s’y habituer. Le faut-il ? Lorsque l’effacement du réel cache un effacement (du sujet) dans le réel, une disparition, la littérature vient témoigner pour dire qu’il manque désormais quelque chose dans le réel. On peut appeler ce manque prélèvement ou saisie. Ou exil.
Audio de Alexis Nuselovici (Nouss) dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
Article 89 – Colloque Conditions de l’Image: Fabien Vallos
FABIEN VALLOS
Conditions de l’image : introduction
Le présent colloque, à partir des recherches menées en 2020-2021 dans le cadre du séminaire du Laboratoire Fig., a pour point de départ un travail d’analyse du concept de synéidèsis (première épître aux Corinthiens de Paul, 10.25). Elle signifie en langue grecque, une sorte de conscience de l’état du monde à partir d’une image (eidos) de ce qui reste après avoir prélevé ou réalisé quelque chose.
Nous avons supposé l’existence d’une image synéidètique, qui contiendrait en elle l’indice de l’image de l’état restant du monde. La synéidèsis est l’image de ce qui reste après toute prise, de celle de l’image à celle de tout prélèvement. Le monde signifie la relation plus ou moins dialectique entre le réel et la réalité. Or l’état du réel autant que celui de la réalité est modifié, troué, perturbé, par ce que nous produisons et par la puissance de la relation de l’un vers l’autre.
Audio de Fabien Vallos dans le cadre du colloque Conditions de l’Image, le 26 mars 2021
COLLOQUE IV Conditions de l’image
L’École nationale supérieure de la photographie
Le Centre de recherche art et image (CRAI)
& le Laboratoire Fig. présentent le colloque
Conditions de l’image
L’image comme conscience de l’état restant du monde
conçu par Fabien Vallos & les étudiants chercheurs du Laboratoire FIG.
26 MARS 2021
avec
Emmanuel Alloa, Nicolas Giraud, Alexis Nuselovici, Aurélie Pétrel, Camille Richert, Fanny Terno & Thomas Vauthier, & Fabien Vallos
& les étudiantes et les étudiants du séminaire :
Grégoire d’Ablon, Charlotte Arthaud, Manon Audiffren, Floriane Barreau, Julie Bouchardon, Francesco Canova, Elena Corradi, Audrey Deygout Gestraud, Juliette Fréchuret, Juliette George, Constance Heilmann, Maeghan Leith-Mourier, Raphaël Lods, Théo Malirat, Faustine Marseille, Guillaume Maty & Loïc Soula.
PROGRAMME ET DÉTAILS
Article 88 – Elena Corradi, Politiques du visible et stratégies de résistance
Politiques du visible et stratégies de résistance :
Pour une actualisation du discours féministe dans l’art
Ce travail entend donner à voir comment certaines stratégies
curatoriales, s’inspirant des théories féministes, questionnent la production du
savoir basée sur les archives officielles et élaborent des stratégies de résistance
vis à vis des canons culturels hégémoniques. Il prendra en examen les logiques de
pouvoir que sous-tendent les archives et tracera un aperçu historique de
l’influence que le féminisme a exercé sur la production artistique dès les années
’70. Cet écrit enquête ainsi la façon dont l’appropriation d’une archive peut
produire quelque chose en termes de pratiques artistiques et d’approches
curatoriales dans l’art contemporain. Comment, à partir des théories féministes et
des « gender studies », se produit un changement de pratiques dans l’art
contemporain et dans les approches curatoriales ? Selon quelles modalités ces
pratiques et ces approches ont trouvé, à partir des années ’70, leur place au sein
des institutions culturelles et qu’en est-il de cet héritage aujourd’hui ? En quoi les
problématiques relatives aux archives seraient-elles utiles à réfléchir dans la
production d’un savoir qui se veut plus éthique et plus inclusif ? De quelle
manière une approche féministe serait-elle indispensable pour telle entreprise ?
Key-words : Féminisme ; archives ; pratiques curatoriales ; art contemporain ;
histoire de l’art ; genre.
Elena Corradi – Politiques du visible et stratégies de résistance – 2021
Article 87 – Juliette George, L’en-même temps de l’image en marche
L’en-même temps de l’image en marche. Le portrait officiel
Cette étude du portrait officiel d’Emmanuel Macron se propose d’actualiser les liens entre image et pouvoir. Si ces liens sont le fruit d’une construction ontologique, ils ne sont pas figés pour autant. L’effectivité particulière du pouvoir macronien reposerait d’abord sur ce que l’on se propose de nommer l’en-même temps de l’image. L’ambiguïté idéologique de Macron, reposant sur un braconnage d’idées de droite et de gauche, aurait été largement supportée par une ambiguïté iconique. Le candidat s’est appuyé sur sa carrière de banquier d’affaires chez Rothschild pour forger l’image d’un homme disruptif, au-delà des clivages politiques classiques. Une fois élu, la construction de son image officielle montre bien la statique et l’autorité du pouvoir de l’image et de l’image du pouvoir. « Macron a fondu un modèle absolutiste en un cadre où tous les codes et habits de la modernité conquérante étaient reproduits, du corps idéal au costume bien taillé en passant par l’humeur constante, l’ambition démesurée et l’incapacité à l’échec, et ce en une époque et une société où ces prestations ont une fonction ordonnatrice écrasante, le tout sans pour autant renoncer au moindre des attributs du pouvoir classique, tel que cela aurait dû lui être exigé, et que lui-même le promettait » (Juan Branco). L’élection de 2 2017 marquerait ce moment où la politique aura définitivement été dévoyée, réduite à une gestion d’entreprise, où l’image ne serait supportée que par une infrastructure marketing, où le corps politique ne serait qu’une coquille vide. Cependant, les changements opérés par Macron ne sont pas tant imputables à sa personne qu’à des changements sociétaux globaux. L’élection et la présidence d’Emmanuel Macron n’auraient fait qu’accélérer des phénomènes qui se manifestaient déjà mais qu’il aurait assumés sans vergogne et essentialisés. Dans le système global, l’image ne jouerait plus un rôle de représentation mais se constituerait en un environnement total qui tiendrait lieu de réalité. Ce décor totalisant masquerait le véritable lieu de la gouvernance qui se situerait dans l’organisation technique du monde. Si l’État peut avoir un rôle régulateur, la politique macronienne se range du côté du système technique. La politique d’Emmanuel Macron porte l’idéologie du progrès technique dont on cherche pourtant le sens aujourd’hui. Macron n’a pas le monopole de la technocratie ni celui de la technophilie mais rompt néanmoins, en la matière, avec les dirigeants qui l’ont précédé. Il s’agit alors de considérer l’image en marche dans un système plus vaste dont elle ne serait qu’un rouage. Se restreindre à une analyse de la symbolique du portrait semble insuffisant. Le portrait peut-être analysé comme une image éminemment technique (liée à un appareillage et un dispositif photographique qui rompt avec celui de ses prédécesseurs, et à l’apparition de symboles du capitalisme technique) et dont la portée n’a de valeur que par le système qui la supporte (sa circulation physique et numérique). Il faut envisager que le corps de l’image et le corps de Macron par l’image incarnent le stade suprême d’autonomisation de la technique : la cybernétique. En cela, la technique le gouverne autant qu’elle nous gouverne. Cette analyse du portrait se propose donc de soulever les problèmes politiques que posent l’image et le pouvoir à l’ère du capitalisme avancé.
Juliette George – L’en-même temps de l’image en marche, le portrait officiel – 2021
Article 86 – Colloque Vues & Données : Caroline Bernard
CAROLINE BERNARD
Des données à la posologie
La géodésie est la science de la mesure de la Terre. Aujourd’hui, par la conjonction de la caméra et de l’algorithme, on dessine de nouvelles géographies fondées sur le fractionnement de l’image en données quantifiables. Cette approche quantitative dissout le tout de l’image dans une grande machinerie planétaire au profit de la somme de ses parties. Les activités humaines sont ainsi réduites, sur la base d’informations essentiellement visuelles, à des calculs algorithmiques. En fonction de leur analyse, on déclare symptômes, prescriptions et posologies.
Conférence de Caroline Bernard dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 85 – Colloque Vues & Données : Arthur Fouray
ARTHUR FOURAY
Notre présent individuel, collectif, planétaire est soumis plus que jamais à son propre enregistrement constant, permanent, et exhaustif. Les « données » et « informations » recueillies interrogent cependant par leur masse croissante et exponentielle. Celle-ci, par effet de saturation et par excès de spécialisations, génère à l’heure actuelle une chapellisation généralisée des connaissances. Il s’agit ici de poser la question d’une écologie appliquée à l’archive, autrement dit, d’étudier les interactions entre données enregistrées et contextes archivistiques qui leur permettent d’être accessibles, compréhensibles et ce, à quelles destinations ou quels destinataires.
Conférence de Arthur Fouray dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 84 – Colloque Vues & Données : Garance Chabert
GARANCE CHABERT
Pratiques du flux : l’image en proie à l’excès du visible
De nombreuses pratiques artistiques d’appropriation se focalisent depuis la fin des années 2000 sur les enjeux sensibles et politiques de l’environnement numérique actuel, dont l’interface internet, et nourrissent leurs œuvres des images qui y sont accessibles et y circulent. La fluidité des données, le profilage induit par les algorithmes, l’étrangeté des contenus générés par des machines, etc. sont autant de sujets qui irriguent les œuvres iconographes ces dernières années. À partir de quelques exemples, on étudiera quelques stratégies artistiques d’infiltration et de détournement des images.
Conférence de Garance Chabert dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 83 – Colloque Vues & Données : Adèle Delefosse, Emilio Azevedo, Elena Corradi, Eryn Millien, Gaëtan Soerensen, Thomas Pendeliau, Constance Heilman et Gaëlle Delort
LES ÉTUDIANTES ET ÉTUDIANTS DU LABORATOIRE FIG. :
Adèle Delefosse, Emilio Azevedo, Elena Corradi, Eryn Millien, Gaëtan Soerensen, Thomas Pendeliau, Constance Heilman et Gaëlle Delort
Conférence des étudiantes et étudiants du laboratoire FIG. dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 82 – Colloque Vues & Données : Aurélie Pétrel
AURÉLIE PÉTREL
(lecture et vidéo)
L’apparente proximité de deux termes, prise de vue et prise de données, a ouvert une zone de recherche. Partant d’observations depuis ma position d’artiste et prenant appui sur les publications et œuvres d’artistes tels que Ryoji Ikeda, Trevor Paglen ou d’écrits d’Ingrid Hoelzl, Florian Ebner, Karolina Ziebinska-Lewandowska, ou encore Marco De Mutiis, a été co-structuré un projet de recherche et création Vues & données dont il s’agira ici de developper un axe. Mené avec Garance Chabert, Manuel Sigrist et Fabien Vallos, ce projet analyse les implications du concept de « donnée » dans le champ de l’art et plus précisément dans celui de la photographie contemporaine. À partir de la pratique, sont examinées les impasses dans lesquelles tout photographe est confronté depuis l’avènement du Web (1989). Circulant sous la forme de fichiers, c’est-à-dire de données, la photographie se fluidifie; de nouvelles pratiques (partage, remix, etc.) et relations se développent. Autrement dit : en plus de représenter le monde dans lequel nous sommes, la photographie le coproduit (Roxana Marcoci, 2015). Si l’image se réduit à des données, le processus artistique se réduit-il au registre des données? La dimension de donnée de l’image impose-t-elle à l’artiste de recourir à un déplacement de ces procédés? L’enjeu de la recherche concerne le passage de la donnée brute, sans signification, au matériau artistique «non brut».
Conférence de Aurélie Pétrel dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 81 – Colloque Vues & Données : Fabien Vallos
FABIEN VALLOS
Vues & données : tournant métaphysique
L’interprétation du concept de données suppose que nous soyons en mesure de proposer une interprétation du concept de « prises ». Il faut prendre dans le monde pour pouvoir le transférer en don ou en données. C’est cette relation occultée qu’il nous intéresse d’analyser à partir de l’hypothèse que la philosophie est une pensée du soin en tant qu’elle indique la nécessité d’une position vigilante sur les manières avec lesquelles nous prélevons et nous transformons en données. Il s’agira alors de penser, depuis les pratiques artistiques et visuelles, les modifications de la métaphysique et des processus artistiques. Nous indiquerons alors une lecture qui permettrait à la fois d’interpréter le « tournant » de la pensée moderne et d’indiquer qu’une lecture de cette problématique se trouve en fait dès les début
de la métaphysique occidentale comme une mise en garde à la fois de nos modes de captation du réel et de la réalité et de nos modes de stockage de ce que nous considérons être, pour nous, nécessairement fond et fonds.
Conférence de Fabien Vallos dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 80 – Colloque Vues & Données : Anthony Masure
ANTHONY MASURE
Pas vu pas pris : le code comme entité managériale
La démultiplication et la collecte des «données» numériques à grande échelle,
sur lesquelles les citoyens n’ont que peu de « prise » prolonge, dans le champ psychique, à la vieille utopie de mesurer chaque entité matérielle du monde. L’invisibilisation (la soustraction à la vue) des opérations de calcul et de traduction propre à l’informatique masque les idéologies (politiques, etc.) qui les sous-tendent : comment faire pour que le code informatique n’ait pas pour seule visée le management des êtres humains ? Pour proposer des réorientations soutenables permettant de desserrer l’emprise des données numériques, il est nécessaire d’aller à rebours des discours inscrivant l’informatique dans une évolution voire dans une révolution. Une étude « archéologique » inscrivant la notion de donnée depuis les champs du cinéma (Lev Manovich) et de la photographie (Vilém Flusser) fait ainsi apparaître des disjonctions entre ce qu’on pensait être nouveau et ce qui était déjà là parmi nous, en latence.
Conférence de Anthony Masure dans le cadre du colloque Vues & Données, le 14 février 2020
Article 79 – Colloque Vues & Données : Olivier Assouly
OLIVIER ASSOULY
Il faut bien digérer
C’est parce que l’homme est doué d’une capacité hors du commun, supérieure au reste des animaux, lui offrant de mémoriser un nombre important de données qu’il est un animal historique. Ce même privilège, soulignera Nietzsche, entraîne des risques, à savoir des dangers de saturation, de surcharge, à supposer déficiente la puissance de l’homme à trier, voire à effacer et oublier. Dans quelle mesure la digestion constitue-t-elle la détermination la plus adéquate en vue de traiter ce flux? À quel prix peut-on repenser aujourd’hui un accroissement des capacités de digestion ? Au-delà d’une image utile au plan rhétorique et argumentatif, faut- il faire de la nutrition, voire du goût, ce modèle encore impensé d’un traitement des flux colossaux d’informations et d’une assimilation de l’autre nécessaire à l’individuation ?
Conférence de Olivier Assouly dans le cadre du colloque Vues & Données, le 13 février 2020
Article 78 – Colloque Vues & Données : Manuel Sigrist
MANUEL SIGRIST
De la vue à la donnée
À travers différents exemples de projets en cours, il s’agira explorer la transformation d’un ensemble de photographies en une source de données. En convertissant lumière et couleur en données, une nouvelle organisation des collections est apparue. Cette expérience menée actuellement au sein de Plateforme 10 a fait naître un nuancier inédit. Que se passe-t-il lorsqu’on organise une rencontre de deux ensembles de photographies à travers le prisme du machine learning ? Cette seconde expérience présentée au Musée de l’Élysée permet d’entrevoir le potentiel et les limites des algorithmes de classification. En traçant de nouvelles cartographies des collections, LCD et Artificial Intersections invitent à s’interroger sur ce qui se passe lorsqu’une prise de vue indexée dans une collection se transforme en donnée.
Conférence de Manuel Sigrist dans le cadre du colloque Vues & Données, le 13 février 2020
Article 77 – Colloque Vues & Données : Julie Martin
JULIE MARTIN
Le monochrome numérique : des données à l’écran
Si la photographie a été envisagée à ses débuts comme une prise de données en tant que prélèvement d’éléments du réel, les artistes ont particulièrement démontré qu’elle ne pouvait s’y limiter et qu’elle relevait plutôt d’un traitement des données. En effet, la chambre noire de l’appareil photo – semblable en cela à la black box que constituent nos appareils informatiques (Flusser, 1993) – constitue un vecteur de transformation des éléments qu’elle saisit.
À l’ère de la photographie fluide, codée, autrement dit de la photographie devenue donnée numérique, la représentation semble être mise en crise. L’un des symptômes, parmi d’autres, de cette situation, est l’existence de monochromes numériques présents dans la démarche de plusieurs artistes ayant habituellement recours aux images appareillées (Hito Steyerl, David Birkin…).
Sans être inédit dans le champ de la photographie, le monochrome manifeste-t-il aujourd’hui une impossibilité de la photographie à représenter le monde contemporain, à prélever et à traiter la multitude des données qui en émanent ? Ou bien au contraire, cette forme écranique constitue-t-elle une stratégie de traitement des données, une interprétation à même de rendre compte de la complexité de la réalité ?
Conférence de Julie Martin dans le cadre du colloque Vues & Données, le 13 février 2020
COLLOQUE III Vues & Données
École nationale supérieure de la photographie
Centre de recherche art et image (CRAI) & Laboratoire Fig. présentent
Vues & Données
De la prise de vue à l’épreuve de la donnée comme histoire matérielle de l’image
Dans le cadre des activités du Centre de recherche art et image (CRAI), du Laboratoire Fig. et du projet de recherche éponyme porté à la HEAD – Genève avec le soutien du Fonds stratégique de la recherche Hes-so, l’École nationale supérieure de la photographie propose un troisième colloque qui aura lieu les 13 & 14 février 2020.



