Article 056 – Thomas Jezequel, Alexandre Desson, Lucie Liaboeuf, Tanguy Gatay, Quentin Fagart

Conférence des étudiants du laboratoire FIG.

« Tous les mots qui serviront à expliquer l’œuvre ou à la louer sont de fausses traductions de
ce qui se passe par-delà des sensations.», Marcel Duchamp dans une lettre adressée à Jean
Crotti du 17 août 1952. Ainsi nous parlerons de l’œuvre, principalement photographique, en
tant que procédé traductif et traductible. À savoir, l’acte d’image peut-il être envisagé comme
une traduction d’un réel ? Peut-on imaginer un pont par lequel l’image pourrait être traduite
en texte ? »

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 055 – Fabien Vallos

Arts & languages, poétiser et penser (un problème d’ontologie)

Nous établirons d’abord un rapide résumé des recherches menées pendant plus de deux
années dans le cadre du Laboratoire FIG. À partir de cela nous proposerons d’entendre
qu’il s’agit d’un problème d’ontologie des media mais aussi de leurs relations. Or ce que
nous nommons ici modernité consiste précisément à penser une réduction des ontologies au
profit d’une épreuve de la co-existence. C’est cela que nous lisons à partir du tournant de la
philosophie et des pratiques artistiques. Est donc poiètique une manière avec laquelle nous
éprouvons cette relation co-existantiale.

Fabien Vallos est docteur en philosophie du langage de l’Université Paris-Sorbonne. Il est
philosophe, éditeur et commissaire d’exposition. Il enseigne à l’École nationale
supérieure de la photographie à Arles et est directeur du Laboratoire FIG.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 054 – Alexandre Quoi

La signature comme méthode conceptuelle chez Marcel Broodthaers

De 1968 à 1975, Marcel Broodthaers a développé un groupe d’œuvres autour de la signature,
consistant en la simple répétition sur divers supports de ses initiales autographes : « M.B. ». À
partir de ce corpus, on distinguera la fonction centrale de ce signe dans l’œuvre de l’artiste.
La signature répond en effet à ses principales motivations : une fusion de l’image et du
langage, une critique de la valeur de l’œuvre et du système marchand, une réflexion sur
la notion d’authenticité et le mythe du créateur. Au travers de ces œuvres-signatures qui
paraphrasent des stratégies du conceptualisme, Broodthaers semble aussi, avec son ironie
coutumière, tendre un miroir à certains artistes de l’époque.

Alexandre Quoi est docteur en histoire de l’art de l’Université Paris-Sorbonne. Il est maître de
conférences, AMU-CNRS, UMR TELEMME, et commissaire d’expositions.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 053 – Paulo Pires Do Vale

Écrire-Dessiner : Ana Hatherly et le baroque

La relation entre la parole et l’image est au centre du travail artistique d’Ana Hatherly (Porto,
1929-Lisboa, 2015), mais aussi de sa réflexion académique sur la période baroque : consciente
que la tradition est une aventure, elle a recherché et fait connaître des « textes visuels » des
xviie et xviiie siècles, des labyrinthes poétiques inventifs et inconnus. Elle s’intéressait à
« l’âme baroque » plutôt qu’au formalisme avec lequel cette période était habituellement
analysée, reconnaissant une affinité inattendue entre les artistes expérimentaux du xxe
síecle et ses prédécesseurs baroques. Une recherche, théorique et pratique, autour d’un métalangage.

Paulo Pires Do Vale est philosophe, professeur et commissaire d´expositions. Président de l’AICA-Portugal depuis 2015

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 052 – Sébastien Pluot

Pictures to be Read / Poetry to be Seen

En 1967, deux expositions, Pictures to be Read / Poetry to be Seen et Language to be Looked
at and / or Things to be Read
, témoignent d’un tournant majeur dans les principes de
traductibilité, ouvrant une alternative aux modèles de transparence de la signification, à la
fois du modèle empathiques de l’expressionnisme déclinant et des principes de la logique
formelle qui commence à se développer dans l’art par les biais de la cybernétique et des
théories de la communication.

Sébastien Pluot est historien de l’art, commissaire et responsable du Post Master Art by Translation – ESBA TALM/ENSAPC.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 051 – Magali Nachtergael

Magali Nachtergael, La chair et l’écrit

Lorsque Benoît Maire raconte ses premiers scénarios philosophiques avec La Coulure
Constance Mayer
(2006), il le fait sous la forme de presque-poèmes, «quasi-cristaux » comme
dirait Jacques Roubaud. Des poèmes courts suivront, jusqu’à devenir des recueils. Les textes
lapidaires qu’Agnès Geoffray expose, nous plongent en peu de mots, comme les Nouvelles en
trois lignes
de Félix Fénéon, dans des espaces en tension. Martine Aballéa, dans ses romansphotos oniriques, crée des univers où plane un air toxique. Alex Cecchetti met en scène
sa propre mort, et tire de ses performances passées, des poèmes épiques. À rebours de la
poétique du statement, de l’instruction ou d’une indexicalité référentielle, leurs installations
et performances développent une forme de narrativité à la croisée de la médiation
curatoriale et l’immersion fictionnelle, avec une économie de moyens minimale.

Magali Nachtergael est maîtresse de conférences en littérature et arts contemporains à l’Université
Paris 13 et directrice du département de littérature. Elle est critique d’art, éditrice et
commissaire d’expositions. Ses recherches et ses publications portent sur les relations
entre écriture, art contemporain et performance

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 050 – Pascal Mougin

Pascal Mougin, Enjeux et fonctions du paratexte artistique. Réflexions à partir du travail de Pierre Huyghe.

Comme de nombreuses propositions artistiques actuelles, les œuvres de Pierre Huyghe,
même à leur plus haut degré d’élaboration visuelle et plastique, restent constitutivement
liées à leur paratexte – au point, parfois, de ne plus s’en distinguer tout à fait. L’exposition
présentée en 2013 au Centre Pompidou en apportait la démonstration, en particulier à travers
l’ouvrage publié pour la circonstance : entre livre sur Huyghe (catalogue d’une «rétrospective»,
documentation et commentaire de l’œuvre) et livre de Huyghe (nouvelle œuvre ou série
d’œuvres à part entière, mêlant images et textes), celui-ci se caractérise par une indécidabilité
qui est d’abord d’ordre énonciatif (les textes, non signés, sont imputables à l’artiste autant qu’à
la commissaire de l’exposition, Emma Lavigne, tous deux présentés comme les auteurs de
l’ouvrage), mais aussi pragmatique (les documents fonctionnent aussi bien comme protocoles
et programmes que comme comptes rendus d’exécution), et enfin, on le verra, d’ordre
ontologique (les contenus représentés pouvant s’interpréter à la fois comme faits et comme
fictions). Cette étude de cas vise à mieux comprendre comment l’interaction du visuel et du
(para-)textuel dans les productions actuelles contribue à la problématisation des contours
de l’œuvre, à la multiplication des interférences entre fiction et factualité autant qu’à une
redéfinition de la place de l’art dans l’environnement contemporain.

Pascal Mougin est maître de conférences en littérature française contemporaine à l’Université Paris 3 Sorbonne nouvelle et membre de l’équipe THALIM / «Écritures de la modernité».

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 049 – Cédric Mazet Zaccardelli

Conférence de Cédric Mazet Zaccardelli, Le montage organique

Toute une théorie classique de l’art a défini la composition picturale en prenant ses concepts
à la tradition rhétorique. Ainsi, la première partie du travail du peintre rassemblait deux
opérations dont Cicéron avait déjà donné les noms pour l’art du discours : l’invention, qui
sélectionne au sein d’une sorte de réserve les éléments convenant au sujet à présenter, puis
la disposition, qui se charge d’organiser avantageusement ces éléments selon les règles d’une
économie. Aujourd’hui, une large part de la fabrique contemporaine reconduit, sous le nom
de «montage», ces principes de procédure. Pourtant, ils ne sont pas indépassables. C’est
l’affaire de la pensée moderne que d’engager une critique de cette situation, et de soutenir la
notion d’un montage dont l’opération ne serait pas modérée par ce que Rancière a nommé
un « texte», ou ce qu’Ishaghpour appelait « l’édifice». Avec elle, il est possible d’entendre les
concepts d’invention et de disposition autrement que les classiques ou, en d’autres termes, d’en
changer le mode. Cela se fait par glissements notionnels successifs, parmi lesquels notamment
celui de la maîtrise à l’exercice, de l’application à la découverte. On repère ainsi des enjeux de
pensée et de conduite qui dépassent finalement le seul motif du montage.

Cédric Mazet Zaccardelli est artiste et docteur en esthétique de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. En 2016 il publie Livre blanc (livre d’artiste) aux éditions Incertain Sens et Zoom-Zoom
(récit) aux éditions À la verticale du temps.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 048 – Julia Marchand

Julia Marchand, La légende se rebiffe ! Empower the caption !

En 1987, l’architecte et designer Hans Hollein (1934-2014) présente The Imaginary Museum
à la Documenta 8. Six cartels aux proportions de tableaux surplombent chacune des
reproductions d’œuvres qu’elles décrivent. Trente ans plus tard, une jeune graphiste et
artiste suisse, Ramaya Tegegne (1985-) disloque les légendes des reproductions d’œuvres
d’art qu’elles sont, là aussi, censées fidèlement accompagner dans un livre d’artiste portant
sur la rumeur. Considérons un instant que le cartel (le support de la légende) est pour
l’œuvre ce que la rumeur est pour le milieu de l’art : tout en lui étant périphérique, il lui
assigne sa valeur, et finit par prévaloir sur l’objet principal. La légende se rebiffe ! Empower the
caption!
dresse une histoire des détournements, réhabilitations, mises en récit dans le récit,
voire du divorce fécond de la légende et de son image.

Julia Marchand est diplômée du Masters Fine Arts Curating à Goldsmiths College, et curatrice adjointe à la Fondation Vincent Van Gogh Arles. Elle y développe le programme publique et co-signe l’exposition collective La Vie Simple – Simplement la Vie.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 047 – Chloé Maillet

Chloé Maillet, L’art conceptuel depuis le IXe siècle d’après le Ms Harley 647 de la British Library (pour Meyer et Hubert)

L’historien de l’art marxiste Meyer Schapiro terminait son article posthume « l’écrit dans
l’image» qui examinait, de l’antiquité grecque à l’art moderne, l’intrusion paradoxale des
mots dans l’œuvre peinte, en citant l’art conceptuel comme une résolution à un conflit de
vingt siècles entre l’écrit et l’image. On sait qu’il avait enseigné à Columbia aux artistes tels
que Robert Motherwell puis Allan Kaprow. Prenons le parti de retourner sa méthode et
d’étudier en détail un de ses exemples, l’étonnant manuscrit de quasi-calligrammes de la
British Library, comme si c’était une œuvre de Mel Ramsden (et vice-versa).

Chloé Maillet est artiste en duo avec Louise Hervé et historienne docteure en anthropologie
historique de l’Occident médiéval de l’EHESS, correspondante ALHOMA (CRH/
EHESS), enseignante à l’école supérieure des beaux-arts d’Angers (ESBA TALM).

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 046 – Sophie Kaplan

Sophie Kaplan, Alors que j’écoutais moi aussi […] : l’hypothèse du récit comme lieu de débats et d’ébats du plastique et du poétique

Le cycle d’expositions et d’événements Alors que j’écoutais moi aussi […] a débuté à La Criée
centre d’art contemporain de Rennes en janvier 2017 et s’achèvera par un chapitre américain
– à Los Angeles et New-York – au printemps 2018. Imaginé par Sophie Kaplan, en étroite
collaboration avec les artistes Félicia Atkinson, Julien Bismuth et Yann Sérandour, il mêle
expositions, performances, rencontres, publications, concerts, workshops, etc., et construit
un récit subjectif et polyphonique, qui aborde les questions du rapport au livre, à l’énoncé
et à l’énonciation, à l’oralité et à la rumeur, à l’histoire et à la fiction. Au travers de plusieurs
exemples d’œuvres produites ou activées pendant le cycle, qu’elles soient textuelles, visuelles,
lisuelles ou disuelles (des Sky poems de David Antin au film et livre produit par Félicia
Atkinson pour son exposition, de la nouvelle de Célia Houdart aux Lettres à l’exposition de
Julien Bismuth, des poèmes-affiches d’Hanne Lippard aux histoires musicales et baroques
de Yann Sérandour), cette présentation s’intéresse plus particulièrement à la question de
l’adresse et de la transmission et à la façon dont celles-ci se sont ici développées dans des
allers-retours particulièrement féconds entre texte et image.

Sophie Kaplan est directrice du centre d’art contemporain La Criée à Rennes.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 045 – Nicolas Giraud

Nicolas Giraud, Le musée comme feu de camp

L’art conceptuel, en ouvrant l’art au langage, ne fait pas que modifier le rapport dialectique à
l’œuvre. Ce que le langage apporte avec lui, dans le champ plastique, c’est aussi la possibilité
du romanesque. Les œuvres dés lors échappent aux assignations physiques pour glisser
dans un espace ouvertement narratif. L’histoire de l’art tenue jusqu’alors par la fiction
d’une autorité unique, se fragmente en des narrations concurrentes. Le musée n’est plus
désormais le phare qui guide les visiteurs égarés mais plutôt le feu de camp où l’on raconte
des histoires de naufrageurs.

Nicolas Giraud est artiste, théoricien de l’image et enseignant chercheur à l’École nationale
supérieure de la photographie à Arles.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 044 – Alessandro De Francesco

Alessandro De Francesco, Poésie et poièsis. Degrés de matérialité du langage, de l’objet et de l’image

Comme Fabien Vallos l’a montré à travers Marcel Broodthaers, il existe un point de
convergence et même d’identité entre la poésie et les arts plastiques en ce qui concerne
les modes d’attribution de la valeur et leur stratégies cognitives et économiques. Cette
contribution vise, par ailleurs, à proposer le maintien d’une spécificité de la poésie qui se
fonde précisément sur la dimension du langage en relation aux objets et aux images. Nous
qualifierons cette dimension de sémi-immatérielle : la matière typographique, scripturale
et vocale d’une part, et, d’autre part, ce qui excède l’écriture et la voix par les modes de
signification, de conceptualisation et d’émotion qui sont propres au langage poétique. À
l’épreuve de Broodthaers relu par Vallos ainsi que, entre autres, de Kenneth Goldsmith et
de Michel Foucault, nous montrerons que cette spécificité semi-immatérielle de la poésie
autorise aussi, avec un paradoxe qui n’est qu’apparent, un passage de la poésie comme genre
littéraire à une conception de la poésie comme pratique artistique au xxie siècle, et que ce passage convoque la possibilité d’une nouvelle sincérité sous l’égide de la poièsis.

Alessandro De Francesco est poète, artiste et essayiste. Il est enseignant à la Haute école des arts de Berne en Suisse. Il est docteur de l’Université Paris-Sorbonne.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 043 – Antoine Dufeu

Antoine Dufeu, Lecture similaire

Nous mettrons dans un premier temps en exergue les rapports entre texte et image dans la
gestion des comptes contemporains des entreprises privées et des comptabilités nationales.
Nous tirerons dans un second temps au hasard un compte de résultat, un bilan ou un
TEE (tableau économique d’ensemble) pour tenter de nous livrer en direct à un exercice
d’analyse, de lecture similaire.

Antoine Dufeu est poète, professeur à Strate école de design, journaliste, éditeur et chercheur ; il est directeur de Licet (Lic) et co-directeur de Avis.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018

Article 042 – Maxime Boidy

Maxime Boidy, Qu’est ce que l’iconologie politique ? Théorie et méthodes

Cette intervention proposera une redéfinition de l’iconologie politique, entendue comme
l’étude des relations conflictuelles entre texte et image, entre visible et dicible. À partir
des travaux de Michel Foucault, de Jean-François Lyotard et du théoricien étasunien
W.J.T. Mitchell, elle abordera différents cas d’analyse empruntés à l’art conceptuel ou au
photojournalisme, afin de montrer en quoi la tension entre les visibilités iconographiques et
les visibilités discursives (verbales ou littéraires) constituent l’un des fondements des études
visuelles contemporaines.

Maxime Boidy est chercheur associé au LabToP – CRESPPA (UMR 7217). Il est docteur en sociologie sur la culture visuelle. Ses travaux portent sur l’histoire intellectuelle des savoirs
visuels et sur les esthétiques de la représentation politique.

Conférence filmée dans le cadre du colloque Art & Langages le 7 et 8 février 2018