MÉMOIRES

Liste des mémoires de recherche engagés et soutenus à l’ENSP depuis 2015.
Sont mentionnés l’auteur, le titre, l’abstract, l’année de soutenance, la publication éventuelle d’article [ART.].
Tous les mémoires sont consultables à la bibliothèque de l’ENSP ou au format numérique (pdf) sur demande.

• MORGANE ADAWI
Traverser la forme : usages et déplacements des traces de la performance
Abstract : Alors qu’initialement les vidéos et photographies issues des actions éphémères de la performance étaient perçues comme des documents ayant pour seul but d’en préserver une trace et de permettre leur étude, il semblerait qu’on aborde ces objets avec un regard neuf. Que ce soit au moment de leur création ou au moment de leur diffusion, ces traces sont désormais également pensées en terme d’images et plus seulement utilisées pour leur valeur testimoniale. Bien que le référent adhère encore et toujours à l’image, celui-ci est parfois relégué au second plan au profit de qualités esthétiques et pour leur capacité à incarner à eux seuls le propos de l’artiste.
2015

• IRIS ALELUIA
Le processus du virtuel au matériel. Révéler le réel
Abstract : La notion de processus désigne une suite ordonnée d’opérations et d’actions dont l’enchaînement constitue un modèle, une manière de faire. Il s’agit donc d’une succession qui s’opère, s’écoule sur une certaine épaisseur temporelle. L’exploitation du système et son application se sont développées comme une partie intégrante de démarches artistiques qui partagent dès lors une conception nouvelle de l’art au tournant des années soixante. Le processus apparaît dans le monde de l’art, en l’occurrence aux États-Unis avec l’art minimal, conceptuel, processuel ou encore dans son extension avec le Land Art, les frontières entre ces mouvances qui coexistent n’étant pas strictement délimitées. Cette forme d’art émergente affirme alors la prépondérance de la réalité physique de l’objet dépourvu de toute forme de symbolisme, s’opposant ainsi à la vision de l’expressionnisme abstrait qui entendait définir l’objet comme le support d’une tension dramatique émotionnelle et introspective. Les objets d’art existent dans le temps et l’espace et engendrent contrairement à tous les objets et entités, leur durée propre. Le temps du processus est bien celui de la durée, avec son pouvoir de transformation et d’effacement. Se pose alors la question de savoir comment les artistes se sont emparés de cette notion de processus afin de révéler dans une temporalité donnée, une matière déterminée ou informelle.
2015

• VIVIEN AYROLES
Peut-il exister un observatoire photographique du paysage d’artiste ?
AbstractL’objet de ce mémoire est la caractérisation des observatoires photographiques du paysage. L’artiste photographe qui est appelé à répondre à la commande publique peut-il réaliser véritablement un projet artistique comme cela lui est demandé ? Le photographe, bien qu’associé aux décisions dans les comités de pilotage, est engagé dans un rapport de force constant où son isolement se révèle flagrant. Pour comprendre les stratégies qui permettent au photographe de créer un itinéraire artistique, nous nous appuierons principalement sur trois expériences, réparties sur les 25 années d’existence de ce dispositif. De la réalisation des photographies à leur valorisation, la reconnaissance du travail de l’artiste n’est pas acquise.
Mots-clés : Observatoire photographique du paysage, commande publique, création, liberté, représentation, itinéraire, territoire
2017

• B. BELLABAS
ERREUR 404
Abstract : Cette recherche aux allures de roman de science-fiction est un support de réflexion. Elle est rédigée dans le constat d’une dématérialisation du monde physique vers le monde virtuel. Le mode de pensée présent ici, se veut dicté par la gouvernance technologique qui fonde notre présent. En usant des théories de Paul Virilio, Vilèm Flusser et de James Graham Ballard, l’essai ne se veut en aucun être une critique ; mais plutôt une tentative d’interprétation du monde. Il s’agit d’analyser les liens que partagent la technologique et ses représentations en définissant comment une pratique artistique peut permettre de penser la formation du réel par les technologies. Cela instaure des climats de réflexion sur l’état du monde contemporain et comment celui-ci risque prochainement de toucher à sa fin.
2015

• HÉLÈNE BELLENGER
«Rien à Voir», Petite histoire de la «non-photographie»
Abstract : Un historien peut-il observer le présent? Selon Marc Bloch, «l’histoire n’est pas seulement l’étude du passé mais l’étude de ce qui change». Nous observerons l’évolution rapide des pratiques visuelles à l’heure du numérique. Nous observerons le changement de paradigme de l’image connectée ainsi que les stratégies créatives des artistes-photographes face au déferlement de l’image dite «fluide»
2016

• NUMA BENYAYER
S’en sortir sans sortir
Abstract : La pénétration progressive du capitalisme marchand dans les arts a fini de modeler la figure de l’artiste à son image en en faisant un exemple du nouveau travailleur et le modèle possible du travailleur du futur. La recherche aura pour tâche, l’analyse des spécificités structurelles du marché dans lequel s’inscrit la production artistique en se concentrant sur les processus de valorisation et de légitimation. Il sera ensuite question d’imaginer un ailleurs à travers l’étude de différentes stratégies qui échappent, volontairement ou non, à cet assujettissement ; stratégies de refus de production, de disparition, de marginalisation, mais aussi certaines pratiques héritées de la littérature, notamment concernant la question de l’auteur.
2016

• AMELIE BLANC
Voir à demi, confusément, comme à travers
Abstract : En considérant la lumière comme une réalité composite agissant entre deux entités, et l’altération comme le liant de leurs corporéités, qui génère un ensemble de transformations à la fois physiques et perceptives, il s’agit d’explorer l’usage de la lumière comme phénomène d’altération dans le champ de l’art contemporain.
Si la lumière est la condition du voir, elle est pour les artistes la condition du « donner à voir ». Je souhaite plus précisément questionner le travail des artistes qui « donnent à voir le voir ». Larry Bell, James Turrell, Robert Irwin, Doug Wheeler, Eric Orr, Gérard Richter, Daniel Buren, Olafur Eliasson, pour en citer quelques uns, portent une attention particulière à la lumière comme présence physique.
Apparaissant comme les espèces d’espaces de sa matérialisation, leurs oeuvres existent comme des objets ou des « environnements ». Créées à partir de certains médiums aux propriétés lumineuses, tels que le verre, le miroir ou l’architecture, ces installations métamorphosent l’espace et mettent à l’épreuve notre perception.
Mots-clés : visible-invisible, matériel-immatériel, intérieur-extérieur, expérience, image
2017

• MARGUERITE BORNHAUSER
L’apparence des choses ordinaires
Abstract : La photographie a une force étonnante, celle de renouveler ou de perpétuer un regard. Les choses sont ce qu’elles sont, elles existent. Disons que nous forcerons le regard pour le troubler. Intéressons-nous aux surfaces, à ce qui nous entoure, à ce qui recouvre les rues, les murs. À ce qui fait face. Voilà ce qui nous intéresse : une photographe qui arrête de rendre compte d’un état de fait, qui se détache de ses obligations de mémoire, qui s’intéresse simplement à l’apparence des choses ordinaires.
2015

• ANNA BROUJEAN
Que reste-t-il de nos données ?
La réappropriation des données numériques personnelles dans l’art
Abstract : Ordinateurs et téléphones portables connectés, plateformes sociales et participatives : depuis la fin des années 1990, un réseaux mondial de tisse, une Toile où les données personnelles trouvent de nouvelles manières de s’inscrire et de se partager. Nul besoin de compétences techniques pour y prendre la parole, ce web 2.0 comme le signa en 2005 Tim O’Reilly, propose un nouvel acteur : l’amateur. S’imbriquent et se répondent plusieurs problématiques : pourquoi partage-t-on des données numériques ? Comment sont-elles récupérées ? Quels sont les dangers et les limites d’un tel système ? Comment matérialiser dans le monde physique ces données et que disent-elles alors?
2015

• HILDA CAICEDO ZULUAGA
Processus esthétiques et politiques dans le cadre du conflit colombien
Abstract : Les interprétations de l’«art social» dont les discours dominants se sont développés dans les pays du Nord ne sont pas en relation avec les formes à travers lesquelles cette pratique s’est développée dans les dernières décennies en Amérique Latine. Plusieurs normes et classifications des modalités de  l’«art social» ont été proposées pour définir le travail culturel, l’esthétique, la politique, les relations entre les pratiques artistiques et leur rôle dans la société, ainsi que les différentes tendances et les relations qu’entretiennent l’art et son contexte de création. Dans les projets considérés comme «art social», ce ne sont plus les objets qui sont produits, mais des processus utilisant des langages artistiques non conventionnels, voire des grammaires nouvelles, comme des esthétiques dites « relationnelles » ou participatives puisqu’elles sont basées sur l’idée d’un public qui devient acteur de l’œuvre.
2015

• QUENTIN CARRIERE
La place du spectateur
Abstract : Qu’est-ce qu’un spectateur dans un monde marqué par l’art contemporain et les industries culturelles ? Quelle place lui a-t-on donnée dans le passé et quelle place lui assigne-t-on de nos jours, serait-il sur le point de disparaître ? Ne peut-on pas envisager différents modèles de spectateurs ? La notion de spectateur paraît être immuable et pourtant le spectateur dans les gradins du théâtre antique est-il similaire à celui d’une exposition d’art contemporain sans œuvre d’art ? Il ne faudrait pas oublier qu’au sein de l’histoire de l’art se joue avant tout une histoire de l’idée de l’art. Chaque époque en a sa propre vision avec elle sa propre conception du spectateur. Il s’agit à travers cette étude de retracer d’une façon non exhaustive une généalogie du spectateur au sein des arts. Et cela, afin de tenter de mieux de saisir la place et les enjeux du spectateur dans un monde de l’art contemporain qui le met en crise.
Mots-clés : spectateur, théâtralité, art sans spectateur, rapport à l’oeuvre, spectateur émancipé, mimesis, communication, art contemporain.
2017

• ALDREDO COLOMA
L’informe comme stratégie d’accès à l’objet
Abstract : L’ontologie orienté vers l’objet définit l’objet comme une entité fermée et inaccessible. L’objet serait alors quelque chose d’incompréhensible et qui dépasserait la logique humaine. Ma recherche s’articulera autour de pratiques artistiques qui s’attaquent à l’objet, qui le maltraitent, qui le déforment, qui en font un «mauvais» usage, qui le déstabilisent, etc. S’agit-il d’une façon d’appréhender l’objet ?  Est-il possible de réduire l’écart entre l’objet et l’être ?
2016

• FLORIAN DA SILVA
Le polyptyque photographique : un pli dans le regard
Abstract : La recherche est orientée autour de l’utilisation du terme « polyptyque » dans le champ photographique ainsi que des modalités de monstration de ces œuvres. S’inscrivant dans une historicité liée au religieux, l’utilisation de cette « mise en forme » en photographie génère-t-elle une nouveau regard sur le médium ? Sommes-nous dans un déplacement du photographe vers le « plasticien » par l’utilisation de ce dispositif ?
2016

• YANNICK DELEN
Matière pauvre: de l’objet à l’espace, du déchet à la marge
Abstract : Le terme «pauvre» porte une certaine radicalité. Cependant, si on lui retire sa signification financière, il prend en compte le manque de qualités suffisantes, dans un contexte précis, pour le développement de l’entité désignée. Cette insuffisance appliquée à un objet ou un espace se traduit généralement par une absence d’usage, par le rejet, processus à la fois collectif et individuel inhérent à toute activité. Mais comment désigner les espaces issus de ce processus ? La photographie peut-elle contribuer à modifier une approche du paysage pauvre ? Les lieux anonymes, ignorés de nos villes contemporaines sont-ils de futurs délaissés ? L’Anthropocène est-elle une époque de la considération du rejet, de la marge ? Par une approche du rebut, nous nous proposons les modalités d’une représentation contemporaine du paysage pauvre.
Mots-clés : rebut, paysage, non-lieux, entropie, banal, pauvre, périphérie, Anthropocène
2017

• GUILLAUME DELEUZE
L’enjeu de la croix
Abstract : essayer de montrer quel est l’enjeu de la croix dans notre société, quel est son pouvoir et que reste-t’il de l’influence de la théologie chrétienne.
2016

• LUCIE DESGIGOT
Habiter l’espace commun : tactiques et possibilités
Abstract : Il s’agit de se placer dans l’espace commun et public qu’est la rue, dans la ville moderne. À les Œuvres de différents artistes travaillant dans cet espace, nous étudierons quelles sont les façons historiques et actuelles de pratiquer hors du lieu classique de création qu’est l’atelier et quels aspects sociaux et politiques sont par ce biais mis en jeu.
2016

• ALEXANDRE DESSON
Dionysiaque et modernité. Contribution à une théorie critique du contemporain.
Abstract : La modernité peut être définie comme une entreprise de rationalisation universelle, fondée sur la division et la différence. Cette différence est le support de tous les classements, de tous les utilitarismes et de toutes les violences. C’est ainsi de la fragmentation des sciences qu’Edgar Morin fait dériver les catastrophes morales du XXe siècle. Face à cette modernité obsédée par la hiérarchie se dresse la figure antique de Dionysos et son cortège hirsute. Figure nostalgique de l’unité, court-circuitant la différence, replaçant l’homme dans la nature, adversaire de l’ordre politique comme arbitraire et contingent, Dionysos semble être le vital, l’urgent contrepoids d’une modernité si technicienne. Dans un dialogue entre Nietzsche, Heidegger, Foucault, René Girard et Giorgio Agamben, nous envisagerons le dionysiaque comme antidote à l’angoisse moderne et tenterons de retrouver sa trace dans les phénomènes culturels les plus contemporains.
Mots-clés : modernité, contemporain, technique, sacrifice, ordre, différence, Apollon, Dionysos
2018

• PIERRE-MARIE DRAPEAU-MARTIN
À défaut d’une image. Pour une grammaire indécidée des signes
Abstract : Les œuvres mettant en jeu du texte posent un problème de lecture. Faut-il les lire ou les regarder ? Et selon quels critères ? Oscillant entre arts plastiques et poésie, entre image et texte, elles semblent nous dire quelque chose tout en se dérobant aux systèmes de lecture classique. Certains penseurs de la modernité artistique (Rosalind Krauss, Pierre-Damien Huyghe, Jean-François Lyotard) nous donnent des pistes pour comprendre ces œuvres hybrides : se méfiant de la représentation, le spectateur est face à des manières, à un processus, plus qu’à une œuvre figée. Aussi quelles sont ces manières de jouer avec nos systèmes interprétatifs ?
2015                   [ART.]

• VINCENT DUAULT
Le présent dynamique
Abstract : Quoique nous fassions se présente à nous de manière plus ou moins latente un désir d’abstraction par rapport à la perception immédiate que nous avons de notre environnement extérieur. Il est intriguant d’observer que regarder le présent nous donne l’impression de s’indifférer du temps, comme s’il venait à être observé d’un peu trop près. En effet, la traque du présent se révèle être une peine perdue, celui-ci se révèle vertigineusement plus agile que notre esprit. Pourtant, nous parvenons néanmoins à nous représenter un fonctionnement : le présent est perceptible à l’aide de notre concentration, or, ce dernier prend de l’importance et désactive en nous les statuts du passé et du futur l’encadrant. Le présent se déforme-t-il ?
2015

• MATTHIEU FRÉNOT
Présence de l’image : Archéologie d’une altérité
Abstract : Mettre en évidence le paradoxe de l’existence d’une image qui est le signe de la séparation entre la chose et l’être. En quoi l’image est un possible retour vers un ailleurs, une altérité ? Si quelque chose devient image, il sera possible d’y observer la preuve d’une relation être-chose.
2016

• CECILIA GALERA
Le commissaire est-il le nouvel artiste? Quand l’attention n’est plus portée sur l’objet mais sur l’exposition.
Abstract : Le commissaire d’exposition est devenu une figure incontournable et en constante réaffirmation dans le monde de l’art contemporain. Ce travail de recherche se penche sur l’évolution de cette profession, interrogeant les fondements de la fonction du commissaire, l’idéal vers lequel il tend et les réalités d’un système économique auquel il doit faire face. Cependant, le commissaire est encore une sorte de figure lointaine, chargée de cette aura que certains attribuent encore à l’artiste. Un amateur discerne par exemple le travail des galeristes et des conservateurs, lit et peut désapprouver le critique, tente de comprendre le philosophe, mais le commissaire et ses fonctions sont porteurs d’une sorte mystère engageant. Plus qu’un professionnel du monde culturel, est il cependant un créateur? Dans le monde de l’art contemporain le commissaire ne serait-il pas le nouvel artiste? Et l’espace temps de la monstration le nouvel enjeux de la création? La production ne pouvant se penser isolément et divisée des réalités sociales, politiques et économiques ce mémoire tente de percevoir les enjeux de ce monde de l’art mouvant, pour penser autrement ce frissonnement que nous attendons tous en poussant la porte d’une exposition.
Mots-clés : art contemporain, commissaire, curateur, artiste, auteur, institution, spectateur, industrie culturelle, économie de l’enrichissement.
2017

• MARION GRISTI
L’ère du paysage complexe ou l’ambiguïté de l’être face à sa nature anthropique et écologique.
Abstract : À l’ère de l’anthropocène, comment le paysage se constitue-t-il comme preuve implicite des préoccupations humaines ? Du bouleversement de la vision photographique, au changement de perception consciente et de théorie de l’environnement ; la photographie semble devenir la pierre angulaire du paysage.
2016

• ISABELLE HA EAV
PARRÊSIA (étude sur l’épaisseur du discours au sein de la création artistique)
Abstract : Michel Foucault, dans son dernier cours donné au collège de France le 28 mars 1984, intitulé Le courage de la vérité, s’étend sur la notion de parrêsia (le dire-vrai, le franc parler). S’émettre au monde et passer par l’expérience du choix, oser penser et être ses actions. L’oeuvre d’art devenant récit du sensible, socle de déconstruction et de remise en jeu de la sphère de gouvernance. Il s’agit ici de dresser une réflexion autour de la relation particulière qu’entretient l’expérience personnelle avec l’épreuve de la vérité, ainsi que la prise de risque qu’elle provoque. Par l’analyse des mouvements de déplacement et de transformation engendrés par la création artistique, cette étude est le questionnement de l’inscription du discours au sein de l’épaisseur de l’existence. 
Mots-clés : parrêsia, vérité, discours, expérience, prise de risque, courage, arts, littérature 
2018

• VICTOR JAGET
Les Flèches des Cathédrales
Abstract : Projetés à 130km/h sur l’autoroute A10, aux abords de Forges-Les-Bains, nous pouvons admirer durant les quelques secondes où cette sculpture est bien visible, les Flèches des Cathédrales de l’artiste Georges Saulterre. Partant de cette expérience, on peut s’interroger sur le mode d’existence de cette œuvre et de nombreuses autres œuvres d’ « Art d’Autoroute ». Sont-elles les premières habitantes d’un temps et d’un espace nouveau dédié à l’art ? Elles peuvent être saisies comme une tentative de répondre à l’accélération de notre mode de vie et à l’image de la restauration drive-in, nous permettre d’accéder à une prestation sans sortir de notre véhicule.

Forme d’art aussi encrée dans le passé révolu de l’expansion du réseau autoroutier français que projection dans le futur d’une société en mal de vitesse, les Flèches des Cathédrales contiennent jusque dans leur titre métaphores et contradictions qui sont l’occasion de se questionner sur notre rapport au temps, au présent, notre vision du monde au travers de la vitesse et pourquoi pas d’envisager ce qu’ils seraient demain. Mots-clés : Autoroute, Temps, Vitesse, Vision, Art, Présent, Flèches, Automobile
2018

• CAMILLE KIRNIDIS
Le Spectaculaire du fait divers, construction et entretien d’une fascination : représentation du crime à travers l’image du XIXe au XXIe siècle.
Abstract : Compris comme phénomène social, le fait divers fascine et marque l’histoire de la société moderne. Forme brève et marginale, il est l’expérience d’une transgression de la norme et de l’ordre établi. Si les motifs et modus operandi varient, les faits divers ont tous un point commun : leur issue. Il s’agit quoiqu’il arrive du désordre du monde, sa face d’ombre refoulée. Le fait divers est constitutif de notre monde actuel, que ce soit dans sa répercussion sur le social et le politique, son épanouissement dans l’espace du journal puis des médias, ou encore son esthétisation artistique parfois controversée.
Profondément marqués par l’émergence d’une modernité dont ils sont contemporains, fait divers et medium photographique entretiennent des relations spontanées. Ce travail de recherche se concentrera particulièrement sur le fait divers criminel, et interrogera la tension qui s’instaure à travers le regard du photographe, entre un ancrage dans le réel et une résistance à sa représentation crue. Il portera principalement sur la fascination et le malaise qu’engendre la spectacularisation du fait divers, jusqu’à l’apparition d’une véritable industrie du choc. Face à ce flux permanent d’images insoutenables au quotidien, l’horreur devient presque familière.
Pour pallier cette usure du regard, l’art peut-il proposer un autre régime d’images où le traitement du drame trouverait un nouvel usage ?
Mots-clés : faits divers, photographie, média, reconstitution, fascination, sidération, violence, choc
2017

• ALEXANDRE KONG A SIOU
L’univers expliqué en Image
Abstract : Le spectacle d’une voûte céleste constellée d’étoiles laisse indifférent peu de monde. Il nous fait approcher l’infini du bout des yeux. Espace des fantasmes et des mythes, le cosmos est l’objet d’une attirance et d’une fascination singulière. Mais très peu sont les personnes à y être allées. L’expérience céleste est principalement une expérience visuelle. Notre premier rapport aux cieux se faisant par le biais de son image. Se pose alors la question du voir. Pour voir et regarder l’espace, l’œil se retrouve vite limité. Il a besoin d’instruments afin de l’aider. Cette longue quête toujours inachevée, poussant les limites du champ de vision toujours plus loin, jalonnera l’histoire.  Mais si il est important pour les astronomes de mieux voir, ils leur aient tout aussi primordial de montrer ce qu’ils observent. Car comprendre le cosmos c’est comprendre notre monde. Ce mémoire se situe autour des enjeux que ces dispositifs pour voir ou pour faire voir soulèvent sur notre rapport aux images.
Mots-clés : Astronomie, dispositif, «voir et regarder», art et science, spectateur, « vue d’artiste ».
2017

• SARAH KOWALCZEWSKI
Les corps disciplinaires dans le champ de la création contemporaine. Représentations de l’ordre et du désordre
Abstract : Cette recherche vise à éclairer l’hypothèse de la concomitance entre des phénomènes de déconstructions des systèmes et une extension du disciplinaire. Pour cela nous essaierons de comprendre les rapports qu’entretiennent la création, la généralisation des systèmes de contrôle et les mécanismes de pouvoirs, comment se partagent-ils, s’exercent ou se maintiennent… C’est en explorant, en parallèle, les relations de la création à la contrainte, le rapport de l’individu à la règle, de la société à la loi ou de la politique à l’ordre que nous confronterons les différentes manières à l’oeuvre dans la société et les mondes de l’art, afin d’en sonder les possibilités de résistances et dépister ce qui s’y substitue, les transcende, les dépasse ou les subvertit. 

Mots-clés : création – contrôle – art – règles – surveillance – loi – contrainte – hétérotopie
2017

• APOLLINE LAMORIL
Cuisine et salle de bain – notes sur le retrait de l’artiste
Abstract : L’objet de ce mémoire est de questionner, en se focalisant sur le motif de la cuisine et de la salle de bain dans certaines productions artistiques, le statut de l’artiste, et le point de vue qu’il adopte sur la société à laquelle il participe. Ces deux pièces, qui appartiennent à l’espace domestique standard tel qu’il existe aujourd’hui, se singularisent par les fonctions respectives qui leurs sont assignées et qui répondent à une nécessité quotidienne : le maintien du corps par son alimentation et son entretien. En cela, elles relèvent d’un paradigme particulier dans l’histoire du privé et de l’intime. Il s’agira de mettre à jour la résonance particulière qui existe entre l’espace domestique de la cuisine et de la salle de bain et la position de retrait que choisit l’artiste face à la société dans le but d’élaborer une critique des conditions concrètes de cette dernière.
Mots clés : Cuisine, salle de bain, société, norme, marginalité, retrait, domestique, quotidien.
2017

• LEXANE LAPLACE
Une économie du secret
Abstract
Nous proposons dans cette étude de penser la relation que la production documentaire entretient avec une économie du secret. Le genre documentaire (photographique et cinématographique) hérite d’une méthodologie propre à l’anthropologie pratiquée dès le XVIIIe siècle, qui concevait la pratique du terrain comme unique élaboration d’un régime de vérité et comme ultime rapport honnête à l’analyse des populations. Regard intrusif, nécessité d’être invisible parmi les différents, récolte d’informations, ces phénomènes responsables de l’organisation du regard porté sur l’autre font écho à la rhétorique de l’espion. Rejoués et amplifés par la production documentaire et le journalisme d’investigation, la distribution du secret et le phénomène de l’infiltration deviennent un mode opératoire pour l’élaboration du témoignage social. Nous nous proposons de voir comment l’appareillage du secret apparaît alors comme une opportunité de documenter. Il s’agit de penser la production documentaire au regard du concept d’espionnabilité théorisé par l’historien et mythologue Furio Jesi, pour voir ensuite comment la rhétorique du secret dans le champ de l’art est l’occasion d’une nouvelle relation au document en vue d’une re-spécification des formes de l’information.
Mots clésPhotographie documentaire, secret, économie, anthropologie, investigation, espionnabilité, Furio Jesi, poético-moral.
2017
 

• MARGOT LAURENS
Temps de la création et de la réception dans le champ de la photographie et du cinéma
Abstract : Il s ‘agit  d’aborder la question de temporalité dans la création d’une œuvre photographique et cinématographique. Et représenter le concept de temporalité comme expérience, à travers notamment la notion de temps opératif : comment il s’emploie dans le champ de la création, lors de la production et de sa réception d’une œuvre ; et la manière dont la photographie et le cinéma éprouvent du temps. (mouvement, montage, séquence, plan-séquence, etc.).
2016

• ELSA LEYDIER
Entre Amérique latine et Europe : le système artistique et la thèse d’une nouvelle anthropophagie culturelle
Abstract : Les influences de l’Europe sur l’Amérique latine dans le domaine artistique ont toujours été prononcées. Dès les premières années après la colonisation du continent latino-américain, les productions artistiques qui naissent sur le territoire se voient marquées par des formes syncrétiques. Longtemps après le processus d’indépendance des pays du continent, le système artistique qui est celui de l’Europe continue a  influencer et à servir de modèle pour l’Amérique latine. Une forme de rupture face à ce modèle et à l’académisme européen se produit en Amérique latine dans les années 1920, notamment au Brésil avec le mouvement Anthropophagique. Dans le courant du xxe, alors que les artistes latino-américains gagnent peu à peu une reconnaissance et une place sur la scène artistique en Europe, le système artistique qui domine alors est adopté sur le continent latino-américain ; biennales et foires d’art contemporain voient alors le jour sur tout le continent et les grandes villes se dotent de musées d’art contemporain. C’est à partir de l’anthropophagie, que sera pensée cette adoption afin d’en faire une lecture décentrée du prisme qui serait celui d’une pensée postcoloniale.
2015               [ART.]

• ROBIN LOPVET
Et ils vécurent heureux et eurent des subventions
La parodie sérieuse : un paradigme de la post-modernité
Abstract : Les crises de sens du siècle dernier ont montré les limites de la raison. Ce constat est l’ouverture à la pensée de la postmodernité. Dans ce contexte où le sens est vacant, comment peut-on envisager un processus de production ? En quoi le paradigme de la parodie fait changer notre rapport au monde ?
2015

• VINCENT MARCQ
La mort de l’habitat [ou] L’habitat polymorphe
Abstract : La maison est devenue le champ de bataille d’une crise de l’habiter. On constate l’échec du « modèle bachelérien » dans l’espace habitable, qui n’est plus  adapté à notre condition d’habiter. L’émergence de nouveaux concepts et pensées sur l’espace habitable, notamment liée aux mouvements, est contrastée par l’influence économique et politique sur l’habitat. Finalement, nous sommes arrivés à « la mort de la maison ». Sa réappropriation dans le champs artistique par le biais de différents artistes tels que : Dan Graham, Ludger Gers, Peter Eisenmann, Gordon Matta-Clark, etc. annonce quelque chose de nouveau. Cette « destruction de la maison » ne serait-elle pas précurseur d’un renouveau de l’espace habitable ?
2016

• LOUIS MATTON
Ritournelle et dislocation. Notre-Dame-des-Landes
Abstract : Le réel doit être documenté, représenté pour être pensé, les artistes doivent s’en emparer en habitant le réel de l’image. C’est sans doute en cela que l’art nous renseigne sur le monde dans lequel nous vivons, sur le réel que nous habitons. L’artiste peut être un acteur essentiel de la construction et de la compréhension des espaces où l’homme évolue, en travaillant des médiums créateurs de réel en partie autonomes de celui que nous partageons. Se rendre alors dans des territoires inexplorés, ou n’ayant pas de lieu réel, physique d’existence. Il faut nous demander en quoi l’image et l’espace du white cube sont eutopiques pour l’étude de territoires hétérotopiques et utopiques.
2015

• FLORIAN MAURER
La Pratique de la photographie artistique en République Démocratique Allemande (R.D.A.)
Abstract : 
Si l’Allemagne représente un pays essentiel dans l’histoire de la photographie, sa particularité est d’avoir été divisée. De 1947 à 1990, deux Allemagne cohabitaient sous la gérance d’autres pays.
Nous connaissons principalement la photographie d’Allemagne de l’Ouest tandis que celle de l’Est demeure méconnue.
Ces deux éléments nous interrogent sur l’existence d’une scène artistique travaillant avec la photographie en République Démocratique Allemande (RDA).
Etait-il possible d’être artiste dans ce pays ? Quels moyens à disposition pour s’exprimer ? Quelle liberté ? Quelle censure ? Quelles possibilités de monstration envisageables de leur travail ?
Quelles critiques les photographes pouvaient-ils faire de leur société ? Quels rapports avaient-ils avec le monde de la photographie artistique au‑delà des frontières de la RDA ?Autant de questions auxquelles ce mémoire tente de répondre et que nous pouvons résumer en une seule interrogation : qui étaient les artistes photographes de la RDA ?
Mots-clés : 
République Démocratique Allemande, Straight Photography, Matthias Hoch, Enfermement, Mur de Berlin, photographie d’architecture, Evelyn Richter, Lewis Hine, The Family of Man, école de Leipzig
2017

• EMANUELA MELONI
Paysage vivant paysage vécu pour une théorie de l’expérience du monde
Abstract : Il s’agit d’un essai sur la relation entre le sujet, le paysage et la photographie. Que signifie paysage ? Quel type de relation peut entretenir ce dernier avec le sujet ? Une relation frontale, objective, subjective ? Comment traduit-on cette relation dans l’art ? Comment peut-on représenter ce rapport et s’agit-il de représentation, de mimesis ? Il faut se diriger vers le paradigme photographique, en se demandant si l’art technique de la représentation par antonomase peut changer de statut pour devenir seuil, intermédiaire du rapport dynamique, fugace, jamais définissable objectivement, entre l’homme et le monde.
2015

• PABLO MÉNDEZ
Il a couru jusqu’à sa grotte pour s’y cacher et regarder le mur en pierre
Abstract : La théorie de l’art, spécialement celle qui est liée à la pensée développée dans la Théorie esthétique de Theodor W. Adorno propose une analyse à partir des objets artistiques. Elle prend en compte la matérialité qui compose chaque objet, pour ensuite identifier quels sont les facteurs qui agissent dans la réception de l’œuvre, notamment la perception et le langage comme l’illusion d’objectivation de l’œuvre (c’est-à-dire la possibilité de partager des expériences autour de l’œuvre). Le manque d’objet-image dans les arts vidéos et sonores, nous amène à chercher l’objet dans l’expérience, à réfléchir ainsi à la façon dont cette expérience peut-être utilisée (employée) comme matière d’analyse dans les utilisations de ce médium par différents artistes, jouant avec la puissance d’une matière si informe qui permettait de poser les problèmes chez chacun. Ce n’est qu’en allant chercher un état autre que nous pouvons reconnaître nos impossibilités discursives, linguistiques face à ce qui était perçu. C’est la problématique d’un vécu qui ne serait jamais partageable. Mais nous pouvons voir dans ces manques de quelle façon on peut donner une puissance spécifique à chaque œuvre afin qu’à chaque fois, on les regarde, on se retrouve face à une nouvelle pièce et qu’on découvre un nouveau dispositif proposé par chaque spectateur.
2015                      [ART.]

• MARGAUX MEURISSE
Le rêve de l’androgyne dans l’œuvre texte-image pour une aventure de l’inachèvement
Abstract : Dans la volonté d’apporter de contribuer aux réflexions sur le statut de l’œuvre texte et image des années soixante jusqu’au champ artistique contemporain, ce mémoire a pour intention de rêver l’androgynéité de l’œuvre d’art en cheminant à travers les longues nuits fécondes de l’inachèvement. Composé selon un premier axe analytique à l’intérieur duquel les contrées de l’image poétique sont investies par la mobilité de l’anamnèse et l’agilité des structures narratives, une deuxième partie vient articuler les constituants de l’œuvre androgyne de façon dialectique en insistant autant sur l’épaisseur fertile du filet qu’entre les mailles béantes de sa signifiance.
2015

• CAMILLE MICHEL
Le spectacle de la catastrophe. Représentation et imaginaire
Abstract : Les désastres et les catastrophes se manifestent comme des éléments marquants de l’histoire. Ils définissent les « sociétés dans lesquelles ils apparaissent ». L’incertitude s’installe face à la non-maîtrise de la nature et aux conséquences du progrès. Le risque se multiplie et la menace catastrophique grandit. Il s’agit de penser la représentation collective du désastre à travers les médias et les œuvres artistiques. Cette recherche, construite sur des événements et des œuvres actuels, montre à quel point la société contemporaine fortifie l’esthétique de la catastrophe jusqu’à introduire l’idée du fantasme de la disparition comme promesse d’un autre monde.
2015

ALICE MILLET
La Jeune Fille
Abstract : La  jeune  fille  est  un  motif  qui  occupe  tous  les  champs  possibles  de  l’image.  Figure massivement  employée  et  très  identifiée  dans  les  objets  culturels,  qu’ils  soient  médiatiques  ou artistiques, la jeune fille semble toujours résister en sa qualité d’image. Elle n’existerait donc pas: il n’existe que des images de jeune fille. En interrogeant ces images, il s’agit aussi d’interroger un mythe  et  sa  construction.  Comment  «la  jeune  fille»  s’impose-t-elle  comme  un  mythe?  Quelles images produit ce mythe? Comment s’opère le décollement du statut de sujet à celui d’objet, et finalement d’image? Ce qui est proposé, c’est de «consommer» le mythe pour s’en faire les lecteurs: il s’agirait, selon l’expression de Roland Barthes, de consommer «le mythe selon les fins mêmes de sa structure», de vivre «le mythe à la façon d’une histoire à la fois vraie et irréelle», pour tenter d’en révéler les fonctions. «Qui est la Jeune-Fille? D’où vient-elle? Où habite-t-elle? Comment la trouver?» La«jeune fille» partagerait ainsi le destin de l’image en tant que construction issue d’une projection,d’une  réification.  Quelle  serait  la  teneur  de  cette  image,  qui  oscille  en  permanence  entre inoffensivité et menace?
Mots clés: Jeune fille, mythe, image, médias, construction, détournement.
2017

• MATHILDE MOIGNARD
Mécanismes de représentation et représentation du territoire
Abstract : Depuis la ligne jusqu’à la frontière, nos représentations du territoire se façonnent au grès de nos évolutions sociales. Les penseurs d’hier nous ont appris que voir était une pulsion et que nous fabriquons des images afin d’assouvir un besoin, celui de saisir la réalité d’un espace qu’il construit, mais duquel il est aussi prisonnier. L’imagination des artistes d’aujourd’hui, convoque ces mécanismes scopiques dans le but de créer des représentations, irrévocablement issues de cette réalité. Ils nous questionnent et alimentent nos propres imaginaires.

La ligne est un signe que j’ai choisi pour son omniprésence dans notre société et sa polysémie. Primitive et éthérée, elle nous rappelle que c’est à nous de faire le choix, de passer d’un côté et de l’autre de l’espace qu’elle divise.
Mots-clés : représentation, mécanisme, ligne, anamorphose, incision
2017

• BARNNABÉ MOISNARD
L’itinéraire de la création, entre réalité et fiction
Abstract : Une recherche sur la question du travail et de la formation, en littérature. Le projet est de partir d’exemples littéraires pour mener  une réflexion sur la création au sens le plus large. Que peut-on dire de la relation qu’entretiennent le réel et la fiction du point de vue de l’auteur (ici Gide et Yourcenar) ainsi que du point de vue de sa création (ses personnages : Zénon de L’Œuvre au noir ou Bernard des Faux Monnayeurs).
2016

• AGATHE MOUCHES
Enjeux croisés de la représentation de «l’Autre » dans le champ médiatique.
Abstract : Il s’agira d’une lecture du médiatique comme champ déterminé et déterminant face au réel : entre sa représentation lacunaire et biaisée et la modification du réel lui-même (réinjection de stéréotypes en son sein, torsion des comportements et des événements en fonction des exigences des codes déterminés par l’image). On  demande comment la représentation de «l’Autre», permet l’élaboration d’un énoncé contraignant.
2016

• COLINE NAGELI
L’homme devant l’animal. Se définir et figurer face au silence
Abstract : C’est à l’aube des premières civilisations que l’homme autrefois rangé à ses côtés, s’est placé dans un face à face avec l’animal, cherchant à déterminer chaque élément de cette altérité entre une masse d’êtres vivants symbiotiques, et l’une de ces espèces ayant décidé de s’en séparer. En choisissant de s’extraire de cette masse, l’homme se retrouve face à un étranger, qu’il appelle «animal», dont la pensée est inaccessible, car ne pouvant se traduire par les signes propres au logos. L’homme a déterminer les principaux modèles de représentation de l’animal ainsi que des modes de relation et de contact, qui participent, à la construction de notre image mentale de l’animal, et à conformer cette masse d’êtres vivants à notre propre modèle sociétal.
2015

• PRUNE PHI
L’artiste, enquête de soi
Abstract : Certains artistes s’intéressent de près à leur propre culture pour déchiffrer une partie de leur identité parfois laissée incomplète. On observe chez de nombreux artistes contemporains des pratiques artistiques hybrides autant dans leurs modes de productions que dans leurs sources d’inspirations. Ces artistes chercheurs vont explorer leur(s) identité(s) se prenant parfois au jeu de l’enquête, des sciences humaines telles que l’anthropologie ou l’ethnographie dont ils empruntent les outils de recherche (documents, archives, interviews, photographies, prélèvements de matière, études de terrain…). Ils privilégient une multitude de formes plastiques, produites ou empruntées, au sein d’oeuvres in process et expérimentales dont l’instabilité évoque le chaosmos selon Gilles Deleuze ou la créolisation du monde et des arts au sens où Edouard Glissant le développe. La finalité de ces oeuvres est moins d’apporter une vérité ou de répondre à des questionnements que d’interroger un mouvement à l’intérieur de l’identité pour en dévoiler des fragments. Ainsi, la fiction s’immisce là où l’inconnu se fait sentir et que le manque d’informations ne peut assouvir la soif de connaissances.

Mots-clés : artiste, identité, expérimentation, enquête, ethnographie, créolisation, fiction, contemporain
2018

• SWEN RENAULT
Mise en mémoire
Abstract : L’oubli est un processus progressif ou spontané qui fait que l’individu ne peut se rappeler les souvenirs qu’il avait enregistrés, il est une défaillance naturelle de la mémoire. L’intensité du souvenir dépendrait de plusieurs facteurs tels que la durée et la fréquence de l’exposition au stimulus, l’observation consciente et la pertinence de la personne. Sont exclus ceux dont la mémoire est eidétique ou mémoire photographique et qui  ont une capacité hypermnésique. Nous pouvons nous demander comment les artistes et autres utilisateurs de photographies ont tenté à travers le temps d’impacter, de façonner et d’agir sur les mémoires afin qu’on ne les oublie pas.
2015

• CLÉMENTINE ROCHE
L’ Occultation comme processus de monstration
Abstract : Dans son cours de 1942, Parménide, Martin Heidegger considère la vérité – à entendre comme déterminité, en tant « qu’être en présence » – comme un dévoilement opposé à un voilement. Nous essayerons de comprendre cet engouement collectif pour le dévoilement du monde qui dit « le vrai » et d’en déterminer sa réelle sincérité afin de la remettre en question. N’y a t’il pas plus de sincérité dans l’occultation?
2016

• PAULINE ROUSSEAU
Débandade
Abstract : La virilité appartient au domaine des constructions sociales. Nous assistons à l’érosion d’un modèle de masculinité qui jusqu’ici était hégémonique. En se situant dans le champ de la création artistique contemporaine, on interrogera la possibilité de la déconstruction des représentations jusqu’ici considérées comme établies et nous tenterons de montrer les stratégies de résistance et de redéfinition du paradigme masculin mises en place par les artistes contemporains.
2016

• ÉMILIE SAUBESTRE
Déplacement. La manipulation des objets exotiques dans les collections
Abstract : L’omniprésence de la collection dans les institutions culturelles françaises du XXe est le reflet d’une volonté politique de posséder, contrôler, archiver et étiqueter les objets – notamment les objets extra-européens. Les institutions XXIe siècle dominées par le souci d’être les sismographes des activités artistiques du monde, font place aux artistes, aux commissaires d’exposition et aux collectionneurs pour repenser les codes museaux et adopter une position critique face à l’historicisme. Des «premiers hommes» aux hommes modernes, des «arts premiers» aux «arts seconds» la notion de déplacement se trouve au cœur de l’activité artistique contemporaine.
2015

• ÉLÉONORE SEGONDI
L’image documentaire comme œuvre.
Abstract : Le documentaire social peut il prendre place dans l’espace de la galerie ? Utopie documentaire, quels sont les nouveaux enjeux d’une telle pratique, a la croisée de l’image-document et de l’œuvre.
2016

• ISOLINE SPOTE
Corps et avancées technologiques, laboratoire des nouvelles représentations
Abstract : l’art empreinte à la science ses outils et ses recherches. Cela impacte à différentes strates de la représentation du corps aussi bien sur le plan définitionnel de l’individu et de son identité, que sur des notions éthiques, ou encore, plus spécifique au champs de l’art, sur des déplacements de la corporéité au sein de la relation auteur/œuvre/spect-acteur.
2016

• CAMMIE TALAMONA
Liens et discontinuités entre la photographie de famille des années 50-60 et celle du 21e siècle
Abstract : La photographie de famille s’est vue attacher plusieurs aspects techniques et affectifs. Après la 2e guerre mondiale, les individus aspirent à sublimer le quotidien, tout en enfermant ces photographies privées, dans l’album de famille qui se transmet de générations en générations. Paradoxalement, au 21e siècle, la photographie est confrontée à deux nouvelles crises : technologique et épistémologique.
2016

• MARIE TANCRÉ
Les montagnes et les eaux
Abstract : L’Europe Occidentale et la Chine sont les deux seules civilisations qui ont cultivé une esthétique paysagère. Elles l’ont nommé, et c’est là un critère essentiel. Le mot paysage apparait pour la première fois dans le dictionnaire Robert Estienne en 1549, suite à sa percée dans le champ pictural. Bien plus précoce, la Chine le désigne par le terme shanshui, dès le IVe siècle. De ses origines jusqu’au cœur de ses représentations, l’épreuve du sensible en Asie orientale révèle une manière de penser la nature et l’environnement antinomique de la nôtre.
2016

FANNY TERNO
Les bonnes dispositions, une vingtaine de centimètres au dessus du sol ?
Abstract : Cela part d’un soucis d’attention, de tension du regard face au réel : lassitude de l’image, surenchérissement de monstration, creux du sens.

De bonnes dispositions aideraient-elles un voir à mieux regarder ? À travers des études de dispositifs spatiaux, temporels, mentaux, de quelle teneur serait la relation image/évènement/temps/espace au regardeur/présence/étant/existant ? Face à un trop-plein d’image – les dents du fond qui baignent – quelles serait une juste épaisseur entre les images, une juste distance face à l’évènement-oeuvre et le spectateur? Que penser d’une onthologie d’un dispositif de présence ? Que peuvent certaines philosophies, conceptss asiatiques (bouddhisme zen, ma, fudo,…) face à un soucis de l’attention du regard au réel, voire à l’image-oeuvre?
En bref, quelles pourraient être de bonnes dispositions afin de recevoir (resserrer) le réel ?Mots-clefs : spatialité, temporalité, ma, dispositif, attention, dasein, atmosphère, zen, cadrage, symbole, wabi-sabi, présence, yasujiro ozu, quasi-rien
2018

• REBECCA TOPAKIAN
Gestes et visages dans le portrait pluriel
Abstract : L’objet de cette étude est d’ouvrir une discussion autour de la question de la singularité dans le portrait photographique. Le portrait est un genre pratiqué depuis les temps anciens de la figuration et ne semble pas s’épuiser avec l’apparition des pratiques contemporaines. La représentation du visage reste un problème pour l’artiste et le spectateur. Le portrait est la représentation d’une personne par ses traits caractéristiques : mais qu’est-ce qui caractérise une personne ? Cela implique des réflexions ontologiques et esthétiques. Nous nous interrogerons sur ce que la photographie permet d’une saisie de la singularité, à travers le portrait et notamment le portrait pluriel, et la volonté ouverte d’un faire-communauté.
2015                 [ART.]

• FLORIAN TRIPOTEAU
Images, textes, signes : pour un regard attentif sur notre environnement urbain
Abstract Nous baignons dans un monde du « voir ». Un monde de signes qui regorge d’images et de textes. Et aujourd’hui plus encore : nous sommes invités à voir et à lire en permanence. L’imagerie publicitaire, développée dès les années 60 aux états-unis avec le hangar décoré, s’est par la suite répandue en Europe et en France. L’enjeu de cette réflexion est donc d’aborder le « voir » à travers l’imagerie publicitaire et d’interroger le rapport que nous entretenons avec celle-ci. Sa présence, dans et autour de la ville, peut-elle être questionnée ? Est-il envisageable de concevoir notre environnement urbain autrement ? Dans quelle mesure pouvons-nous devenir acteur de cet espace public ? Sommes-nous réduit à un statut de spectateur-consommateur en attente de volonté ? Pouvons-nous interroger le « voir » dans sa relation à notre environnement quotidien ? Comprenons-nous ce que nous voyons ? Le devons-nous ? Ou cela est-il nécessaire ? Si oui, comment ? Où se situe la frontière entre le « voir » et le « regarder » ? Qui ou qu’est-ce qui régit le « voir » ? Qui sont les acteurs de ce paysage aujourd’hui ? Qui sont ces faiseurs ou ces diffuseurs de signe ? Pouvons nous apprendre à « voir le voir » ? 
Mots-clés voir, espace public, spectacle, publicité, hangar décoré, design graphique, environnement urbain, signes
2018

• ORIANA VALENCIA
La photographie spirite
Abstract : En partant de la photographie spirite, on explore les liens entre des pratiques dites ésotériques, ou occultes, et la photographie. Les conséquences de la mise en lumière de ce type de photographie et de la philosophie qui les porte s’étendent à travers la modernité, notamment en peinture. En définitive, ce mémoire traite de la manière dont certains artistes s’emparent de l’irrationnel, la manière dont ils mettent cet irrationnel en lumière, demandant au spectateur pourquoi l’irrationnel n’existerait-il pas au même titre que le rationnel.
Mots-clés : Spiritisme, Théosophie, Anthroposophie, Sciences, Photographie, Invisible, abstraction, art médiumnique, occultisme.
2017

• LEIA VANDOOREN
Astella. Eclats de la pensée
Abstract : L’objet de cette étude est d’ouvrir une réflexion autour de l’évolution esthétique et sémantique de l’art à partir des liens qui se tissent entre deux territoires : l’atelier et le musée. Sur ces deux terrains de l’art se développent des modes de productions permettant de penser leur contexte, entrainant la « dissolution du cadre du tableau » vers une pluralité des processus, des médiums et des modes de monstration. Installation, art contextuel, in situ, performance, autant de pratiques artistiques émergentes au cours du XXe siècle qui se rejoignent en un point : leur nature processuelle. Donner forme, travailler la matière, penser un objet qu’il soit sculpture, peinture, vidéo, installation, etc. génèrent une esthétique, un mouvement ancré dans un réel, fruit d’une expérience physique et intellectuelle dont l’atelier porte les marques.
Mots clés : atelier, contexte, processus, art processuel, modes de production, espace d’exposition, esthétique, modes de monstration, actualité
2017

• CLOÉ VIGNAUD
Ce que montre la littérature, ce que raconte la photographie
Abstract : La littérature est productrice d’images, c’est l’un de ses buts. Quelle est la nature de ces images et leur place dans la narration ? Quel est le lien entre ces images et les images photographiques ? L’image littéraire, sa visualisation, est une construction du lecteur. L’un comme l’autre nécessitent la participation active du lecteur, si celui-ci se prend au jeu, c’est bien là que réside son plaisir. Il s’agit d’analyser pourquoi on a trop longtemps nié à la photographie son pouvoir narratif, et si celui-ci existe bien, comment il opère. Il s’agit alors d’expliquer la raison de cet arraisonnement de la photographie à la seule monstration.
2015

• PAULINE WALLERICH
Le rapport texte-image. Pour une élaboration d’une mythogenèse
Abstract : Il d’agit d’ouvrir une discussion autour de la question du rapport texte-image et comprendre en quoi ce dispositif participe à l’élaboration d’une mythogenèse. Comment faire son mythe ? Pourquoi en vient-on à se raconter ? De quelle manière les artistes qui travaillent sur le récit de soi en viennent à coupler une image à un texte ? Par quel moyen intervient le dispositif texte-image dans l’élaboration d’une mythogenèse ? Nous nous interrogerons sur cette nouvelle forme esthétique du récit de soi depuis l’apparition de la photographie et nous tenterons de comprendre quel est le rôle du dispositif texte-image dans cette élaboration.
2016                 [ART.]

• IRIS WINCKLER
Ironie et cinéma
Abstract : L’objet de cette recherche est d’étudier les rapports complexes qui existent entre ironie et cinéma documentaire. Défini comme un genre cinématographique, le documentaire naît avec le cinéma et poursuit son renouvellement avec l’évolution des pratiques contemporaines. Si l’ère du postmodernisme
porte l’ironie à son degré ultime, celle-ci s’éloigne toujours plus de la raillerie et du ridicule de la satire pour se concentrer désormais sur l’écart où se joue le sens, donnant ainsi plus d’importance à l’interprète
qu’à l’ironiste. Ce pouvoir critique et évaluatif confère plus que jamais à l’ironie une tonalité éminemment politique, qui conduit à s’interroger sur la place de l’ironie dans notre société et sa disparition à venir.
Mots-clés : Ironie, politique, cinéma documentaire, distance, éthique, extrêmes, idéal, nostalgie, postmoderne
2017

• MATHILDE ZABIEGALA
 ‘A failed attempt to photograph reality ‘
Ecart insurmontable entre l’expérience vécue et sa représentation imprimée
A la limite du photographique. Récit de l’expérience d’une insuffisance
Abstract : face à une réalité qui ne cesse de nous échapper quoi de plus vain et de plus absurde que de tenter de photographier le réel ? Territoire instable aux frontières incertaines , la photographie symbolise le manque , l’imperfection et l’échec. Face à la déception des images, nombre d’artistes vont de manière acharnée scruter les confins du médium photographique pour en traquer  possibilités et  limites, paradoxes et manques. De ces analyses va naître une prise de conscience que la photographie ne suffit pas/plus et qu’il y a nécessité de déborder le champ de l’image. Émerge alors l’idée qu’à l’impasse de la photographie , la solution se trouve peut-être, s’il y en a une, dans l’interdisciplinarité avec le langage.
2016

• CAROLINA ZACCARO
L’œuvre d’art comme épreuve de l’écart entre la mesure et l’objet
Notes sur l’immaturité de l’artiste
Abstract : À partir d’une théorie de la mesure, nous allons étudier les différentes manières de quantifier les objets et démontrer les limites qu’elles présentent. Pour ce faire, je vais prendre en exemple Le Baron perché d’Italo Calvino et développer les analogies entre les expériences de Cosimo Piovasco de Rondò et celles d’un certain nombre d’artistes dont la pratique est basée sur l’impossibilité de mesurer l’espace.
2016                        [ART.]